FL Spectro

Un Año En El Monte De Los Fantasmas

2012-01-12T15:33:00.000-08:00

Traducción del original de Paul Currion, My Year In The Bush Of Ghosts:

1. Hace un año...

decidí dejar de formar parte de la destrucción de la antigua industria musical y pasar a formar parte de la construcción de una nueva industria musical. En ése tiempo no estaba seguro de lo que significaba; una vez que descubrí Bandcamp, Soundcloud, Archive.org and Official.fm, y que compartí algunos tracks lo-fi cortar-y-pegar que armé el año anterior, ya sabía que sólo había arañado la superficie del tema. Mientras más escarbaba más encontraba: una variedad de netlabels, el Free Music Archive, blogs de cultura libre, un ecosistema completo de creatividad que existía en estado de tensión ambigua con el negocio musical.

Mi lugar en ése ecosistema éra, y sigue siendo, incierto de mi parte (parcialmente porque la antigua etiqueta de "consumidor" ya no se aplica). Escucho una cantidad enorme de musica libre de todos los géneros y siempre estoy buscando más, pero no he producido nada desde el año anterior. Empecé a compartir un podcast mensual (esporádicamente mensual, pero siempre hay lugar para los sueños...) usando únicamente musica libre, y comencé un hashtag de twitter para compartir los mejores álbums que estaba escuchando (#yourfreemusictoday, por si alguien quiere sumarse a la diversión). Ocasionalmente le escribo a los artistas para agradecerles, comparto álbums específicos con amigos, escribo posts como éste, pero nada de ésto parece suficiente.

La razón por la que no parece ser suficiente se describe en el post de Alexander Stretton que termina diciendo "como consumidores de arte distribuido en libertad somos participantes en la cultura y comunidad de creative commons, pero es tiempo de volvernos activos". El internet nos ha provisto de nuevas formas de diseminar la música, pero aunque ése cambio ha creado una nueva infraestructura para el mercado y el comercio, aún no nos hemos alejado de la terrible etiqueta de "consumidores" de música. El negocio de la música continua dominando la música (aunque a veces el precio que paga a cambio es su propia existencia), parcialmente porque domina un modelo en donde la música es "consumida".

Por éso rechazamos la etiqueta de "consumidores"; no somos tragabolas engullendo cualquier canica de plástico barato que la maquinaria de la industria lanza frente a nosotros. Sin embargo, todavía no es clara nuestra identidad en una confusa economía musical post-escasez, donde las herramientas de producción están en las manos de los trabajadores gracias a una cultura tecnológica guiada por principios libertarios. No queremos que la cultura de la música libre siga el camino de la cultura de la poesía, en donde los interesados y la audiencia de la música sean los mismos que la están produciendo. La pregunta es: ¿qué otros modelos de participación tenemos a disposición?

2. El Monte de los Fantasmas

En una entrevista en el 2001 para el periódico Guardian, Brian Eno señaló que "las grabaciones fueron una pequeña burbuja en el tiempo y aquellos que obtuvieron su modus vivendi haciéndolas tuvieron suerte... Eventualmente serán reemplazadas por otra cosa". Eno es, por supuesto, una figura seminal en la cultura de cortar-y-pegar gracias a su colaboración con David Byrne en el álbum Our Life in the Bush of Ghosts, originalmente lanzado en 1981. En 2006 Byrne y Eno lanzaron dos de los tracks del álbum para hacer remixes bajo una licencia creative commons, un disparo temprano en el conflicto alrededor de la distribución de música que aún continua. (Tomaré la oportunidad para promocionar un proyecto que surgió directamente de aquél: Our Lives in the Bush of Disquiet, curado por Marc Weidenbaum)

El nombre de ése álbum fué tomado de la novela de Amos Tutuola, My Life in the Bush of Ghosts, un clásico de la literatura africana. En el trabajo de Tutuola, aquellos que se adentran al "Monte de los Fantasmas" son transformados, y transformados y transformados otra vez; el Monte es el lugar "en donde los fantasmas y los espíritus de los muertos vivían como en su aldea... Una vez que se entra, no hay una forma fácil de salir. Uno no puede viajar al final; éso es tan imposible como sería para un mosquito viajar alrededor de todo el mundo sin perecer".

El Monte de los Fantasmas funciona como una metáfora / literal del subconciente humano, el pozo de creatividad de donde viene nuestra música. La industri de la música promovió la ficción de que el Monte éra tan peligroso que los mortales ordinarios no deberían internarse ahí, que necesitabamos intermediarios experimentados para navegarlo en nuestro nombre para traernos sus tesoros -los intermediarios éran, por supuesto, las compañias de discos. La creatividad siempre se ha manejado de forma incómoda, especialmente por las elites culturales a las cuales no les gusta la forma en que elude su control, pero las compañias de discos lograron algo grandioso: nos persuadieron de que participaramos activamente en nuestro propio distanciamiento de ésa creatividad.

3. ... el presente

Ése distanciamiento comenzó con la aparición de la música grabada, lo que en algunos sentidos fué una influencia democratizadora en la música: por primera vez, los artistas más grandes estaban disponibles para escucharse en cualquier momento y en cualquier lugar. Ésa luna de miel no duró mucho y, de cierta forma, la historia de la música popular ha sido un largo proceso para quitarle a las élites culturales el monopolio de la música. Primero, la ejecución musical fué retomada con la aparición de instrumentos eléctricos fabricados masivamente (especialmente la guitarra eléctrica y los teclados); después, las computadoras personales hicieron que el proceso de producción musical fuera más accesible para un rango de gente cada vez mayor.

La última barrera éra la distribución de música y el internet ha cortado las piernas del monopolio que previamente tenían las compañias musicales y las tiendas. La industria musica partió del principio de que todos tienen la capacidad de consumir música y se construyó alrededor de la obtención de máximo número de personas que consuman. El problema para ése modelo de industria es que ya no puede ganar suficiente dinero haciendo que más gente consuma música porque el costo de consumir música ha caido estrepitosamente. Todavía no se ve con claridad pero la nueva industria de la música parece partir del principio de que todos tienen la capacidad de hacer música y se dedicará a que el número máximo de personas lo hagan, en vez de meramente consumirla.

Éste es el Monte de los Fantasmas que nos advirtió la industria musical -peligroso para los mortales, lleno de tranformaciones, caótico y profundo- y también nos dijo que no sobreviviríamos sin su guía. Sin embargo, yo pasé un año en el monte, viviendo de lo que podía obtener y resulta que la industria musical nos mintió. Las transformaciones son peligrosas principalmente para la industria musical, no para nosotros, y podemos vivir perfectamente ahí (aunque ganarse la vida sea otra historia). Sin embargo, no puedes vivir ahí solo, necesitas alguna comunidad a tu alrededor; el nuevo reto es encontrar las mejores herramientas para construir ésa comunidad. Sean bienvenidos al Monte de los Fantasmas porque todos vivimos ahora ahí...

Paul Currion es deliveradamente vago y escribe un blog en http://www.currion.net. El artículo tiene licencia CC BY-SA 3.0. Las fotografías de Koocbor’s pueden encontrarse en Flickr. La fotografía tiene licencia CC BY-SA 2.0.

Un Cuarto de Camaleón

2012-01-09T10:40:00.000-08:00

Para celebrar el 65 aniversario de David Bowie mi playlist de 25 canciones:

01. Little Wonder. Después del triunfo de la gira Outside Bowie se mete de cabeza en el terreno del drum'n'bass y lo lleva a terreno pop. Los frenéticos ritmos están muy bien sazonados por una de las mejores bandas que ha tenido DB.

02. Sound And Vision. Un track optimista de un álbum que se llama Low. La precisión de sonido de los 1970's en su punto máximo.

03. Sunday. Un track reflexivo del DB de los 2000'es. Los loops de guitarra de David Torn en su mejor momento.

04. Space Oddity. Uno de los tracks más característicos del elegante primer DB que habla de un futuro que nunca llegó a ser y aún se extraña. Una presentación espectacular del Mayor Tom que tendrá algunas otras aventuras en otras canciones.

05. Slip Away. Un track melancólico sobre las celebridades que el tiempo olvidó. De una u otra forma el Mayor Tom en su nave que vuela a la velocidad de la luz recibe ésta transmisión porque "down in Space it's always 1982".

06. Starman. Un delicado ejemplo del chamber-rock al que es muy afecto DB. Letras enigmáticas y de Sci-Fi deshinibida. El arreglo de cuerdas es del gran Mick Ronson.

07. Seven Years In Tibet. Ritmos de estación espacial despresurizada funcionan de esqueleto para un ejercicio monumental de contraste entre coro y verso. Éste éra el "sonido standard" en aquellos 1990's.

08. The Lonliest Guy. El DB de los 2000's debió de haberse pasado meses meditando en el estudio con músicos cyborgs para sacar todos estos tracks que parece que flotan en órbitas solares cada vez más alejadas de la Tierra.

09. Ziggy Stardust. Guitarras acústicas, baterías crujientes, voces dobladas, riffs granulados de Les Paul, un rockstar andrógino hablando de otro rockstar poseido por extraterrestres. ¿Puede haber mejor rock pastoral que éste?

10. Hallo Spaceboy. Un laberinto desorientador de guitarras a todas velocidades y la voz de un Bowie robotizado hablando de caos y despedidas. El remix de la canción menciona al Mayor Tom en voz del Pet Shop Boy Tennant. Uno de mis mejores recuerdos de los 1990's.

11. The Motel. Uno de los tracks experimentales del Outside que funcionan de forma grandiosa. Sombrío y fúnebre.

12. Wild Is The Wind. Chamber-rock modelo 1976. Milagrosamente DB sale ileso de ésta ejecución vocal en una toma.

13. Velvet Goldmine. Un track que proyectó una sombra tan larga sobre el Glam Rock británico de los 1970's que le dió el nombre a la película de Todd Haynes. Siempre me he imaginado a Alex y sus Droogs cantando el coro de ésta después de una de sus noches en el Korova Milk Bar.

14. Bring Me The Disco King. Track meditativo donde los hay. Un loop de batería de Sterling Campbell y Mike Garson en el piano es el pretexto para que DB se lance a meditar sobre sus años de "DisCocaine". Seguramente pensando en los estragos que ésos años produjeron en su cuerpo y tal vez presagiando la angioplastía del año siguiente.

15. Drive In Saturday. Un dulce arrullo de nostalgia futurista. Lanzando los imaginarios 1950's al infinito y más allá, donde tendríamos que leer "Libro Del Amor" en viejas cintas de video para aprender todo de nuevo.

16. The Voyeur Of Utter Destruction (As Beauty). Un track que resume la intensidad y violencia de los 1990's y uno de los mejores ejemplos del estilo cut-up de letras de DB. "Research has pierced all extremes of my sex, call it a day". Today.

17. D.J. El Bowie de la éra Berlín en plena forma. Guitarras angulares y rítmo New Wave descarado. Un Adrian Belew pre-King Crimson hace todo lo que posteriormente hizo con King Crimson.

18. Sorrow. Obra maestra del chamber-rock cruzado con el blue-eyed-soul que poseía a Bowie en los 1970's. Rock nostáligico y sofisticado.

19. We Prick You. Voces de caricatura y letras pseudo-panfletarias. El triunfo de la publicidad.

20. Life On Mars. Una mini película y el track más espectacular en la carrera de DB. Angustia adolescente y orquesta sinfónica. Bee You Tee Full.

21. Heroes. No importa que haya salido en comerciales. Uno de los mejores tracks que se hayan grabado en la historia del rock. Con guitarras y teclados (Robert Fripp-Brian Eno) levitando sobre una sólida base rítmica, David Bowie cuenta otra vez La Fábula Escapista Del Rock y la coloca majestuosamente en el Berlín dividido.

22. The Man Who Sold The World. En una galaxia muy lejana hay un templo dedicado a un profeta terrestre en donde se inician los cultos tradicionales con ésta grabación.

23. Rock'n'Roll Suicide. La resaca optimista de Ziggy Stardust y prueba contundente de que emocionalemnte Bowie es uno de mejores los vocalistas del rock.

24. Strangers When We Meet. Un bellísimo track de Outside donde un poderoso groove de Sterling Campbel es arropado por toda la artillería del DB de los 1990's: Brian Eno en los tratamientos sonoros, Reeves Gabrels en guitarras y las letras fragmentadas de Bowie. Contiene el mejor uso de un barrido de filtro de la era en al final del bombástico solo de piano deMike Garson.

25. Ashes To Ashes. Segunda y última aparición "oficial" del Major Tom en canciones de DB. Testamento de la versatilidad vocal de Bowie y de sus frías aventuras con la estructura de las canciones.

Bonus Tracks, porque nunca se tiene suficiente:

26. China Girl
27. Let's Dance
28. Five Years

Fan Fiction en el Top 100

2011-12-22T12:16:00.000-08:00

Fan Fiction fué incluido en la lista 100 Notable Netlabel Releases of 2011, del blog Acts of Silence.

Todo Metal Proviene de SLAYER

2011-12-09T16:25:00.001-08:00

(via ideologic.org)

This is very amusing! Swiped from Talkbass forum:
Since some of us old guys remember Slayer, I'll use them to explain the Metal Genres:

Progressive: Slayer takes some Jazz lessons

Avant Garde: Slayer takes Jazz lessons with Sun Ra

Black Metal: Slayer repackaged for teens

Christian Metal: Slayer with lyrics from Hillsong

Death Metal: Slayer with Cookie Monster on vocals

Technical Death Metal: Slayer with Cookie Monster on vocals, and Yngwie on guitar

Doom Metal: Slayer with a hangover doing Black Sabbath covers

Drone Metal: Slayer in the special ed classroom

Stoner Metal: Slayer with Jimi Hendrix on LSD

Glam Metal: Slayer with eye shadow and lipstick

Gothic Metal: European Slayer

Groove Metal: Slayer with a backbeat

Industrial Metal: Samples of Slayer played over a dance beat

Neo-Classical Metal: Slayer hanging out at Starbucks

Nu Metal: Slayer hanging out at the Mall

Symphonic Metal: Slayer meets the Boston Pops

Thrash Metal: Slayer

Viking Metal: Slayer meets Thor

Folk Metal: Slayer meets Lilith Faire

Funk Metal: Slayer with slap bass

Grindcore: Slayer with the vocals slowed down, and everything else sped up

Metalcore: Slayer with a breakdown in the middle

Melodic Death Metal: Slayer learns a major scale

Nintendocore: Slayer joins the A/V club

Post Metal: Slayer Muzak

Rap Metal: Slayer goes to the hood, but then goes back to the burbs
__________________
My Bass Shop
jivesound.com

La Sabiduría de David Bowie

2011-12-01T07:57:00.001-08:00

Loutallica. Comentarios Golpe por Golpe

2011-11-10T11:23:00.001-08:00

Para ponerle punto final a la cont rov ersia Lou Reed/Metallica aquí van los comentarios a LULU:

Ambos contendientes no necesitan presentación por lo que vamos directo al tema. Caballeros: queremos un enfrentamiento limpio, sin golpes bajos ni personalismos. Buena suerte y den buen espectáculo.

LR, R = Lou Reed
M = Metallica
JH, H = James Hetfield
KH, K = Kirk Hammet
LU = Lars Ulrich
RT, T = Robert Trujillo

1. Brandenburg Gate
0:02 Rasgueos acústicos, debe de ser LR. Desde el Perfect Night es muy dado a...
0:15 WOW! acordes golpeados punketos. Obviamente Reed no viene amable esta noche. Letras melancólicas/reflexivas en el estilo LR en velocidad de crucero. Hemos visto a R en ese tono muy seguido en sus últimos discos.
0:49 Empiezan las hostilidades con M en un estilo con toques country muy parecidos a Load/Reload.
0:59 Entra JH, fácilmente el peor vocalista de la brigada trash, con su truco Load/Reload/St. Anger de gritar el coro. Bob Rock hubiera sido el mejor productor vocal de la historia por hacer sonar afinado a JH en el disco Negro antes de que se inventara el Autotune pero sigió trabajando con ellos.
1:21 La voz de Reed entra majestuosamente entre los gritos de JH. Un momento R al 100%.
2:29 R tiene este estilo de montar su voz en las crestas del groove de la música que funciona muy bien cuando funciona.

Buen primer round. Domina el estilo Reed y hasta ahora no se han sentido los arreglos rifftásticos de M. Pudo haber sido un gran track de un disco de R y nos hubieramos ahorrado los gritos de JH que suenan bastante "cut and paste".

2. The View
0:11 LR intentando reescribir Sad but True de Metallica.
1:15 Otra vez LR navegando el groove de la canción.
2:00 M a media marcha con H intentado el mismo truco que R.
2:19 WOW! Un fill de guitarra que nunca hubiera estado en un disco de R.
3:08 WOW! Un fill muy extraño. No reconozco el estilo podría ser KH o LR.
3:45 Vocales autotuneadas. Bravo, por fin lo encendieron.
4:13 Haciendo de policía malo...
4:15 WOW! Un break totalmente trash.
4:30 Seguido de un solo de mal gusto totalmente thrash 1990's. Bravo K.

Buen segundo round en donde M muestra lo que tiene y le enseña un par de trucos a LR.

3. Pumping Blood
0:04 desde The Raven LR tiene algo con las "cuerdas reales". Tal vez desde que el Zeitkratzer "tradujo" el Metal Machine Music a cuarteto de cuerdas.
0:18 ¡Entra R con un sustain increible de guitarra!
0:28 ¡WOWOWOWOW! ¡Metallica con un excelente riff saca-muelas y Reed con su sustain!
1:18 Excelente. Momentos musicales bien empastados y funcionando. Una verdadera colaboración
2:00 Un break para escuchar el sustain...
2:04 que se rompe de forma hemosa
2:18 regresa R con un estilo Unforgiven. ¡El Imperdonable!
2:45 Lars metiendose donde no le llaman
2:50 por cosas como esta odian a LU (y por otras cosas más).
3:12 Pero un riff bien acomodado dice: ¡Somos Metallica!
3:26 Y entra LR para decir ¡SOMOS LOUTALLICA!
3:32 LR: "C'mon James". ¡Yeah!
3:37 H crea momentum
3:54 que disipa...
4:05 para un trio R, sustain y LU
4:27 Trujillo introduce algo que suena bien
4:47 ¡WOW! ¡LR navegando un groove de thrash metal totalmente tosco!
5:50 que se descarrila...
6:05 ¡WOWOWOWOWOW! ¡DE ÉSO SE TRATA! ¡THRASH METAL A TODA MARCHA!
6:35 que se detiene demasiado pronto...
6:46 ¡pero tiene otro break down enorme!
6:58 Bravo K... entra a la armonía guitarrera.
7.12 que acaba en un sustain polifónico...

Excelente track en donde se escucha de verdad la colaboración. Demasiado cortos los momentos a tope, pero suficiente en el global para ser una pieza de heavy metal sudorosa y mugrosa. Un serio contendiente para ser de los mejores tracks en la discografía de los dos elementos.

4. Mistress Dread
0:10 ¿Es un piano amplificado por un Marshall?
0:16 ¿Un órgano de iglesia?
0:20 ¡Es Metallica a toda marcha!
0:34 ¡Es LR haciendo de diva!
1:04 Con el órgano raro sazonando todo con un drone bien puesto
1:41 Un momento Heroin a tope... "Supera ésto John Cale"
2:45 metamorfoseando a stacatos thrash bien acomodados.
2:52 ése drone funciona muy, muy bien
3:13 Pathos metalero total versión 1988
4:13 LU con todo y sus limitaciones es el mejor baterista que pudiera tener Metallica.
4:55 a pesar de su mal gusto...
5:09 Un riff de metal rechinando...
5:14 presenta un groove arquetípico de M. Muy bien L.
5:40 y de regreso acoplandose al drone electrónico.
6:04 que desciende
6:10 regresa
6:20 otra vez
6:41 y varias veces más

Otro excelente track. LR por fin le robó el truco Heroin a su archinemesis John Cale y Metallica hace su trabajo. Una verdadera colaboración Drone-Thrash. Bravo.

5. Iced Honey
0:01 El clásico "1,2,3, and" introduce
0:10 un rock moderno a media marcha.
0:32 rock contemporáneo con un sonido de limusina
1:09 JH definitivamente necesita a Bob Rock para decirle cuando es mejor "hacer menos".
2:10 Un buen track de LR que va a satisfacer a sus fans más conservadores. Desde que empezó su face de guitarrazos con palm muting en el "The 30th Anniversary..." de Bob Dylan creo que estaba pensando en ésto.
2:37 en el concierto del cumpleaños 50 de David Bowie en 1997 también hace una versión metalosa de Queen Bitch.
3:17 JH... por favor reconcíliate con Bob Rock...

Un track arquetípico del New York City Man. Rock adulto y contemporáneo. No me sorprende que vaya a ser uno de los sencillos. Aquí Metallica hace un decoroso grupo de acompañamiento de Lou Reed. Éso es excelente.

6. Cheat on Me
0:14 Otra vez el sonido raro de órgano
0:28 adicionado con una guitarra en sustain
0:45 tal vez acústica
1:18 Muy parecido a algunos momentos de The Raven.
1:44 ¡WOW! Si es RT es un sonido de bajo excelente.
2:08 Creo que sí es RT.
2:28 Muy buen momento muy alejado de lo que han hecho ambos elementos
2:48 la armonía empieza a enrarecerse
2:57 L no sabe que hacer
3:16 Letras super estándard de R... ya lo hemos escuchado muchas veces recriminando.
4:06 aunque tal vez en el contexto de una obra de teatro ésta letra funcione mejor
4:25 metiendo un groove para que funcione mejor.
4:44 El organo raro tal vez sea piano eléctrico. Suena como que están intentando un No Quarter de Led Zep
5:30 Por fin LR entra en calor
6:01 y JH por fin se une con la guitarra
6:28 parece ser un solo de LR
7:03 Obviamente intentan un No Quarter,
7:54 no eres Bonzo Bonham Lars, mejor no lo intentes...
9:48 Se encajonaron solos en una esquina y ya no tienen otra idea para salir.
10:32 estos son los momentos en que L podría lucir...
10:38 y por fin Metallica se convierte en Metallica con Lou Reed fustigandolos.

Un track bastante flojo para cerrar el CD 1. Obviamente se divirtieron haciendolo y tocaron música que ninguno había intentado antes. Tiene un feeling de performance en vivo pero no encuentran el groove sino hasta el final del track. Muestra todo lo que pudo haber salido mal en éste proyecto y algunos destellos sobresalientes al final. Como sea, es bastante entretenido ver a dos dinosaurios intentando trucos nuevos.

7. Frustration
0:25 Sonidos emblemáticos de la electrónica experimental. Es obvio LR ha estado jugando con su mac... cuando estás casado con Laurie Anderson es lo menos que puedes hacer...
1:00 un excelente riff de M con connotaciones Sabbatianas. Delicioso...
1:51 LR en toda su gloria
1:56 perfectamente empastados en metal mala jefa
2:03 como ver al niño listo de tu clase dándole una paliza al bully del colegio en un estacionamiento oscuro.
2:14 Furia fría
2:24 "your prickless lover"
2:43 esto se pone interesante, el chico listo tiene un colapso nervioso... y creo que el bully en realidad es la reina de la escuela...
3:06 ésto debe de ser muy bueno en una obra de teatro...
3:28 ¡BANG! ¡Metallica al rescate!
4:39 sigue la paliza...
4:59 seguida de otro colapso...
6:11 ¡ES LA REINA DE LA ESCUELA! (aunque también "el bully" podría ser "la reina"... o cualquier otra combinación posible... es una canción de LR después de todo)
6:30 ¡FUGA! Excelente riff. Muy sofisticado para considerarlo thrash.
7:02 "you're more man than I"... me pone los pelos de punta... Blood curling...
8:18 aullidos enegrecidos en el estacionamiento desierto...
8:20 ¡BANG! "Para que no olvides quién es tu padre..."

Un track ATERRADOR... De ésto tambien puede tratarse el rock como forma de arte adulta. Obviamente la pieza central del álbum y un logro artístico enorme para ambos elementos. El Martin Scorcese de Cape Fear debería de dirigir el video de éste track. Serán recordados por éste performance...

8. Little Dog
0:09 Sonidos de resaca
0:16 introducen una guitarra acústica...
0:25 tal vez sea LR o tal vez JH, tal vez KH...
1:02 Un Hound Dog desde el infierno...
2:00 "you ain't nothin but a hound dog"...
2:39 aquí entra R...
3:40 "cryin' all the time"
4:15 "you ain't never caught a rabbit"
5:12 debe ser H en acústica
5:42 qué bueno que LU está enterrado en el mix.
6:05 "you ain't no friend o' mine"

Un track sombrio, compacto y ambiental. Un LR descarnado y aislado sazonado con M. Excelente.

9. Dragon
0:05 LR con su tono de monstruoso tono de guitarra
0:22 La inconfundible voz de LR. En toda su obra post VU hay ejemplos donde el discurso casi llega a convertirse en canto. La retórica como arte. El pináculo de ésta técnica llegó en The Raven pero en casi todos sus discos hay ejemplos.
0:49 Suena como una improvisación al estilo de Like A Possum con una guitarra más delgada.
1:21 Obviamente la inflexión y el cansancio de la voz es una "actuación". Una voz de actor intentando cantar.
1:30 Entra una guitarra de M. En estos tracks se extrañan los anteriores guitarristas que han acompañado a LR. Robert Quine hubiera sacado una parte de guitarra excelente en éstos momentos.
1:41 M se conforma con algunos rasgueos primitivos. Tal vez a propósito.
2:40 Le suben a la ganacia...
2:51 Otro riff excelente de M. Indiscutiblemente son muy buenos en el estilo bulldozer.
3:04 Un break para lubricar...
3:20 LR en estilo más cantado. El break suena como una conceción a los que quieren canciones.
4:00 y a veces cae donde no debería de ir
4:31 LR se empieza a acostumbrar a la estructura groove-break
5:00 Un solo de ruido. Tal vez KH.
5:45 Bien... el groove cada vez suena mejor.
6:50 pero el break estorba definitivamente.
7:20 LR sigue explorando el personaje.
8:03 Me pregunto si alguien en la actualidad será tan elocuente.
8:50 Alguien de M ya está aburrido y hace otras cosas en la guitarra...
9:40 Hasta L tiene su momento. Definitivamente quédate con M Lars.
10:29 Sin tanta producción M también suena bien.
10:56 Hums de amp.

Un jam de forma libre para el estilo "dramático" de LR. Me parece que es el track de relleno. El groove aunque tiene un buen riff no termina de propulsar la canción por el extraño break que le ponen. Creo que ésto es de lo que todos se quejan en éste proyecto creo que ninguno de los dos entendieron el concepto del otro, pero es normal en las colaboraciones. Con voz de metalhead: "esta se llama Dragon... debe ser como de Iron Maiden...."

10. Junior Dad
0:08 Sonidos de cuerdas.
0:37 obviamente ésta va a ser una de las rolas de "redención" de LR
0:56 ¡WOW! Lars conoce su batería... bueno... hagamos como que el St. Anger nunca existió.
1:50 KH obviamente estudió su Robert Quine
2:16 otra versión del drone de Heroin. Esta vez benevolente.
2:54 excelente KH totalmente en un estilo crudo y deasliñado.
3:50 M está canalizando lo mejor de los grupos anteriores de LR a un estilo primitivo. Bravo...
4:38 y el grupo se aleja como un sueño...
5:08 esto puede convertirse en una pesadilla...
5:37 LR en su elocuencia...
6:19 Aunque es el track de redención se siente tensión. Excelente, excelente soundscape de LR, al nivel de los soundscapes de Robert Fripp, pero Robert los materializa en vivo. Si LR hizo esto en una toma (no me sorprendería) está al nivel del buen Roberto.
6:44 ¡BANG! Metallica otra vez. Hermoso.
7:31 ¿Qué importa de qué rayos está hablando R? ¡Escucha éso!
8:15 Otro take para KH para ser Robert Quine...
9:04 Pero ninguno de los grupos de LR sonó así.
9:29 No estoy diciendo que sean mejores o peores, son muy diferentes.
10:31 podría ser un track pastoral de la etapa intermedia de Pink Floyd.
11:00 soundscape majestuoso, obviamente con loops. Muy bien LR.
12:10 MMM3 debió de haber sido precioso...
12:53 ya estás en el escalón de Robert Fripp LR.
13:44 WOW
14:15 BeeYouTeeFull, BeeYouTeeFull
14:48 con una ballena en el fondo. Tal vez RT.
15:12 Una cadencia...
15:33 que tal vez se convierta en pesadilla...
16:14 nada de qué preocuparse...
16:45 al parecer...
17:50 ésto es un mighty drone damas y caballeros...
19:05 LR ha aprendido muchos trucos en sus aventuras fuera del "cánon oficial" (MMM, MMM3, The Raven, Songs for Drella... quién es el esposo de ¿Laurie Anderson?).
.
Hermoso track con M acompañando a un LR en su modo más ambicioso. El resúmen de su carrera solo está aquí. Excelente, uno de los pináculos de Reed.

Comentarios finales:
P: ¿Album de Metallica?
R: No

P: ¿Heavy Metal?
R: En partes

P: ¿Album de Lou Reed?
R: Totalmente

P: ¿Suena como Velvet Underground?
R: No me jodas hipster. Ni el Velvet Underground de Live MCMXCIII suena como el VU que quieres escuchar... ¡supéralo!

P: ¿Es un álbum de canciones?
R: Sólo en el sentido en que 'One' o 'Like A Possum' son canciones... o 'Heroin' para fines prácticos.

P: ¿Tocan 'Here She Comes Now'?
R: No y nada que se le acerque. Consigue otra canción para tu boda... la de 'Lady Godiva's Operation' por ejemplo. ¡Hipster!

P: Entonces... ¿Suena como el 'Negro de Metallica'?
R: No. Pero ya no estamos en 1991... ¿recuerdas?

P: ¿Entonces cómo suena?
R: Como Lou Reed modelo 2011 acompañado por Metallica modelo 2011... ni más, ni menos.

P: ¿Dónde lo pondrias en tu infernal torre de CDs?
R: Entre el Songs For Drella (mi favorito de LR colaborando) y el Ecstasy (mi favorito de LR solo) un lugar que llena con facilidad. Si tuviera que ponerlo en la sección de metal lo pondría entre el Ride The Lightning y el PINK de Boris, la subsección de metal "rarito".

P: ¿Entonces qué tiene que ver con VU?
R: Qué bueno que preguntas...

Elliot Sharp con Bootstrappers

2011-10-31T17:08:00.001-07:00

¡Elliot Sharp en acción!

¡Mr. Rhythm Machine!

2011-10-28T07:07:00.000-07:00

¡Nana Kyei de Ghana (7 años) en acción!

El Niño y su Guitarra

2011-10-27T17:25:00.000-07:00

Billy Corgan habla sobre la Stratocaster:

You can play it in a very individualistic style and yet you don't end up sounding like everybody.
(...)
I think the strat it's the preeminent personality guitar. If you want to be an individualistic player this is the guitar for you.
(...)
I think what's difficult for people in this modern culture with such higain rock applications is understanding how to play a style that expresses their individual personality and yet still keeps them sort of within the sound that's current, which is a very, very higain

Cinco Ingredientes Secretos del Pop

2011-10-27T16:25:00.001-07:00

The Five Secret Ingredients for the Perfect Pop Song

When it comes to truly universal pop songwriting, there are elements which separate the golden pop nuggets from the disposable, future residents of the discount bin. While the pop consciousness is always shifting and evolving, specific elements have remained important staples through the decades. These qualities stand out and create the memorable from amongst otherwise ephemeral pop wonders.

While there’s no formula to crafting a perfect pop hook, the presence of these elements can make or break a song’s impact.

(...)

5. Say it and get out.
4. There’s nothing wrong with repetition.
3. Be specific!
2. Don’t be afraid to play with dynamics.
1. Strip it down to the essentials.

Mauricio Díaz Hueso - Cerca de ti.

2011-10-26T10:59:00.001-07:00

¡Chic, Chic, Chic!

2011-10-20T09:28:00.000-07:00

Reseña del libro de memorias del productor extraordinario y rey de la guitarra rítmica Nile Rodgers en NYT:

In and around and between there is much about the science and business of music. Mr. Rodgers is equally interested in harmonic theory, groove and coldblooded hit making. He is a composer-arranger first, and a jazz musician deep down. But he is fascinated by the marketplace and formulas for pop, even if his own golden touch began to fade in the ’90s.

Joe Giampaoli: Shielding a Strat Guitar to Eliminate Hum and EMI ...

2011-10-19T15:40:00.000-07:00

Joe Giampaoli: Shielding a Strat Guitar to Eliminate Hum and EMI ...: For those of you who have a single coil pickup guitar or have had one such as a Fender Stratocaster or Fender Telecaster, know what a nic...

Ars Sonor - Loco EP

2011-10-06T13:47:00.000-07:00

The idea of this EP was born when I made cover version of Napalm Death for Sirona Records' tribute compilation. It is a kind of tribute too (no cover versions though) - a tribute to some influential bands of 20th century.

1. Loco
2. The Floor
3. Loco [Suffered Mix by registro latente]
4. Showdown

Descarga aquí:
http://www.archive.org/details/siro203ArsSonor-Loco
Mas detalles:
Ars Sonor
Sirona Records [Siro203]disc-shelf

¡Cipriano en acción!

2011-09-12T07:11:00.001-07:00

FAN FICTION: Andrea Bonino, Christian Zollner, Mysterybear, Mystified, simulacro:

2011-08-18T19:39:00.000-07:00

1. Andrea Bonino with Mysterybear 8:41
2. Andrea Bonino with Mystified 6:07
3. Andrea Bonino with simulacro: 7:21
4. Andrea Bonino with Christian Zollner 3:00

Total time: 25:09

http://www.archive.org/details/rlva01lp

Original recordings:
http://www.archive.org/details/AndreaBoninoWailingChainsaws1
http://soundcloud.com/mysterybear/a-bowl-full-of-void

http://www.archive.org/details/AndreaBoninoWailingChainsaws2
http://mystified.bandcamp.com/track/mystified-trombone-sample-5

http://www.archive.org/details/AndreaBoninoWailingChainsaws3
http://soundcloud.com/registro-latente/simulacro-bisi

http://www.archive.org/details/AndreaBoninoWailingChainsaws4
http://zaunerelektronik.net/2009/08/ancellique

More Info:
Andrea Bonino
http://soundcloud.com/blackmud23

Christian Zollner
http://zaunerelektronik.net

Mysterybear
http://mysterybear.net

Mystified
http://mystified.bandcamp.com

simulacro:
http://registrolatente.blogspot.com

This work is licensed under a Creative Commons Attribution-NonCommercial-ShareAlike 3.0 Unported License.

Cover Artwork:
Ritratto di Giacinto Scelsi
http://francescodadamo.blogspot.com/2011/07/ritratto-di-giacinto-scelsi.html
Copyright © 2011 Francesco D’Adamo

registro latente en soundcloud

2011-07-16T13:52:00.000-07:00

registro latente en soundcloud. demo de simulacro:
simulacro: 20110715a by registro latente
electric guitar -> reverb -> comb filters = drone

Descarga III Shadows de i AM esper

2011-07-08T15:10:00.000-07:00

Guitarras en perpetuo drone metal. Mas detalles aquí.

Pequeño puede ser Mejor

2011-06-30T10:01:00.000-07:00

En el blog de Seth Godin:

If your goal is to make a profit, it's entirely possible that less overhead and a more focused product line will increase it.

If your goal is to make more art, it's entirely possible the ridding yourself of obligations and scale will help you do that.

If your goal is to have more fun, it's certainly likely that avoiding the high stakes of more debt, more financing and more stuff will help with that.

(...)

Don't be small because you can't figure out how to get big. Consider being small because it might be better.

1-10-100... Inovación

2011-06-07T10:36:00.000-07:00

Peter Tu en el blog de investigación de GE describe el método de Stephen Voltz y Fritz Grobe para la inovación aplicada al arte del performance:

Their method follows the 1-10-100 principle.

It takes one experiment to spark a concept.
By experiment 10 one should have fleshed things out and have defined a direction.
By experiment 100 one hopes to have found something that is sublime.

The four rules that they espouse are:

1) seek variation – explore the possibilities.
2) be obsessive – keep focused until one finds something special.
3) be stubborn – don’t give up until you work through the problems.
4) set limits and work within them – unconstrained innovation meanders and wonders, only by setting limits does it force one to dive into the depths of a concept.

Their thoughts are somewhat reminiscent of “Zen and the Art of Motorcycle Maintenance”, where the key idea is to have an obsession with quality and to always have a good pot of coffee close at hand.

Mike Garson en Acción

2011-05-27T16:14:00.000-07:00

Space Oddity

Bach Variations

Paganini Variations

Improvisando con 4 notas

Tips de Mezcla con Andy Wallace

2011-05-19T15:56:00.000-07:00

Andy Wallace, ingeniero extraor dinario revela algunos trucos de mezcla en la revista MIX:
Sobre efectos y compresores:

You use very little outboard gear: A few digital chambers, a symphonic effect more or less on the bass, a couple of delays, but, by and large, you stay with the compression and gating on the SSL. Is this for ease of recall or because you prefer the SSL sound as compared with older equipment like Pultec or UREI?
It's a little of both. The primary concern is not so much ease of recall, although that's definitely a good benefit, but I like the way the SSL compressors sound and, for the most part, I'm happy with the gates. I have been known to patch in Drawmer gates from time to time, just because I can fine-tune them better and they have nice ducking abilities and that sort of thing. But for the most part, I'm happy with the onboard compressors. I don't really know if I would say that I prefer them to the old gear, but I guess I don't prefer the old gear enough to warrant fiddling around with it.

Sobre la mezcla ajustandose a la dinámica de la canción:

I listen to the song and try to get a feel for it. If it's a rock song that has a section that's really rockin', I'll sometimes go to that first and just work on that section, getting the band to really kick ass. I'll do that just to kind of make sure that that's my level. Then I'll work it down and build up from there, but that's the place that's really got to be rockin'. And that's usually where I find out how hard I want to hit the quad compressor.

Sobre mezclar con el compresor:

I've noticed you consistently set at 4:1 on automatic release.
Pretty much.

And you usually leave the makeup gain at unity?
To my ears, the gain makeup sounds like a noisy amplifier. I suppose it's paranoia, but I figure I can achieve the same end by how hard I hit the compressor. As long as I can get a reasonable output, which I can, I'll usually only use seven groups to put everything on and then I assign all those groups to group number eight, which serves as kind of a universal pre/quad compressor trim. So I can adjust how hard I can hit the compressor by moving that without having to adjust the makeup gain.

From watching you in past years up at Bearsville, I was under the impression that you ran your compression between -2.5 and -4 at 4:1. I was surprised to see it running between -4 and -6 on the 3 Doors Down Seventeen Days album. That's pretty slammed in there. How would you advise a young kid mixing today to handle stereo compression without ending up with a tiny mix? It's a trick.
Yeah, it is. I don't really know. I mix through the compressor right from the beginning — maybe not the very beginning, but while I'm still working on that loud section.

Sobre ajustar la dinámica de la mezcla en las diferentes partes de la canción:

I noticed that you ride the overhead tracks of the drum kit up in the choruses. Having seen it, I've listened for it and can hear it in other albums that you've done, so it's obviously a dynamic thing that you bring to all your mixes. When did you start doing that? I mean, did you just find that you were burying the cymbals with guitars?
Well, first of all, I ride them a lot of times because sometimes a cymbal won't be as loud as another cymbal or something. So there's that. But also, in a greater sense — and I think that this is what you're referring to — every cymbal crash will be ridden up maybe 5 or more dB.

Sometimes I will feel that I'm hearing more ambient stuff in the overheads than I want to hear in the mix. So when I get that loud section rocking the way I want, I'll end up with the overheads balanced where I want to hear the ambience and sometimes the cymbals simply won't be loud enough to have the impact that I want.

Sobre aumentar el ambiente con samples:

I use the samples more to drive reverbs. If you killed the reverb, you'd still hear the sample. And the thing I like is that I can EQ them so that I can really tune the ambience and where it sits in the whole frequency response.

Again, more so than I can with the overheads because I usually EQ those so that the cymbals sound the way I want them to sound. Not always, but often, when the cymbals are sitting where I want them to sit, I'll hear more ambience from that. I'd rather keep that down and be able to shade with a little more control using my ambient sample.

Sobre efectos para mezcla estéreo:

You pan your delay on the vocal slightly off to one side and then make up the difference on the other side with reverb return. Then you crack the pan on the vocal just off detent to open up the middle of the record.
Yeah. I do a lot of little things like that where I don't put things down the middle. Just moving them a little bit sometimes seems to open [the mix] up, which is one of the reasons I like to use the symphonic [effect]. Not so much as, “Dig the flange on that bass,” because I kind of prefer that nobody even knows it's there. Sometimes it gives it a growl, which is kind of cool. But a lot of times, I use that just to open things up a little bit so that everything is not kick, snare, bass right down the middle. Not that there's anything wrong with that, but sometimes it feels sonically a little more interesting to me.

Sobre compresión para la radio:

Primarily, I mix so that the thing sounds good to me, which I guess translates to how the CD sounds. But I grew up with radio and I guess I kind of like the way mixes sound on the radio with that compression, which is why I probably have gotten a little more aggressive with it over the years. Years ago — 10 years ago — I probably rarely drove the SSL compressor beyond that -4 mark. But I found that occasionally I'd get things hitting harder without even realizing it. I'd say, “Oh gee, I'm getting 8 dB of compression here,” and I'd say, “I better back this thing down.” But when I backed it down, I didn't like it as much. It was rockin' that way.

A long time ago, I learned that the great amount of compression in radio broadcasts was seriously changing how the low end [of my mixes] sounded and the balance: how much low end was there, how much of the bass I could hear and other things. That's when I really started experimenting with a substantial amount of stereo compression. And I found that if I had something compressed ahead of time and was happy with the sound of it, the additional compression from the radio station had less effect. So I sort of felt that I was doing damage control, as well as the fact that I liked the sound.

I found that I was automatically compensating by bringing up the bass in my balance, and I don't know if this bears out in reality, but it seemed it was true that the mixes I compressed more aggressively and then compensated for in the process of doing the mix held up better with additional radio compression.

Aprende Música con Estrellas del Rock Potosino

2011-05-17T17:27:00.000-07:00

Con el increíble Fernando Charó:

Y el poderoso David Juarez:

Muchas lecciones como éstas (con celebridades locales de la música) en el canal de YouTube y el website de www.virtuosso.com
¡Apoya el talento local y aprende música!

La reverb de Abbey Road

2011-05-03T09:30:00.000-07:00

Desde el excelente blog de Bobby Owsinski el secreto de la reverb de Abbey Road:

Regardless of whether the reverb was from one of Abbey Road's fine chambers or one of their plates, the secret is in the high and low-pass filters placed on the reverb send. These were set to roll-off everything below 600Hz and above 10kHz, since physical reverb tends to have trouble with low and very high end frequencies.

La canción de Bowie Ideal

2011-04-04T17:17:00.000-07:00

El psicólogo Nick Troop ha escrito la canción "ideal" al estilo de David Bowie usando los procesos psicológicos y linguísticos que componen su obra. En éste video el científico explica su metodología y canta la canción "Team, Meet Girls" en 4:24.

Guitarra de 2 cuerdas DIY

2011-02-16T07:02:00.000-08:00

más fotografías aquí.

Maestra en Beatlesología

2011-01-28T07:58:00.000-08:00

Mary-Lu Zahalan-Kennedy se ha convertido en la primera graduada de la Maestría en Artes en estudios de los Beatles de la universidad Liverpool Hope. Para la obtención del grado se estudia "el sonido de estudio, las composiciónes de los Beatles y cómo Liverpool ayudó a darle forma a su música. La MA examina el significado de su música y como ayudó a deinir identidades, cultura y sociedad".

¿No es increíble el Internet?

2011-01-07T15:40:00.000-08:00

The Shangri Las - Out In The Streets

The Shangri Las - Give Him A Great Big Kiss

La canción sobre la chica más "ave de mal agüero" de la historia del rock:

The Shangri Las - The Leader Of The Pack

Y la "chica mala" original:

The Ronettes - Be My Baby

Para la mirada más demoledora de la historia del girl pop ver 1:03 y para ser derretido con una reacción ante un reprise inesperado ver 2:20

Para algo más contemporáneo:

Theoretical Girl - The Hypocrite

¿Cómo suenan cuando están solos?

2010-12-10T08:45:00.000-08:00

Los tracks aislados de varios éxitos en Studio Multitracks.

Plus: El equipo de Kurt Cobain en estudio y en giras.
www.kurtsequipment.com

simulacro:1997. Escape de Abstractia

2010-12-01T09:14:00.001-08:00

1. aterrizaje en wtc 3:39
2. cápsula presidencial 4:27
3. un planeador sobre Leningrado 2:53
4. fusión nuclear 3:11

Duración total: 14:11

Estas piezas se construyeron a partir de improvisaciones con un pulso de metrónomo común.

Las partes son una reacción ante un agente ausente. La interacción y el conflicto son el producto de la superposición de dos capas sonoras. La interzona entre dos sustancias es el inicio de la comunicación.

These pieces were constructed from improvizations with a common metronome pulse.

The parts are a reaction to an absent agent. The interaction and the conflict are product of the layering of two sonic layers. The interzone between two substances it's the beggining of comunication.

simulacro: construcción y ensamble, guitarras materiales, amplificadores y procesos.

registrolatente.blogspot.com, registrolatente @ archive.org

Abril 2010 - Noviembre 2010, San Luis Potosí.

minimal thrash, drone metal

Imágen a partir de: X1, E-595. Cortesía NASA.

http://www.archive.org/details/rlsm03ep

Licencia Creative Commons: Atribución-Licenciamiento Recíproco 2.5 México

Guitarra Ampex

2010-11-25T08:32:00.000-08:00

Steven Wilson de Porcupine Tree habla sobre sus experimentos con grabaciones de guitarra en la revista Sound on Sound.

I do a lot of stuff where I slow things down or speed them up, then cut it up, throw all the pieces up in the air, metaphorically speaking, and then put them back together again. For example, I’ll record a guitar solo, speed it up and fly it back in so I have something that’s not necessarily in time, but floats over the top. And often I get wacky effects by chopping solos, making almost random cuts, and then shuffling the pieces. I love to experiment — those weird effects, for me, are what computer-based recording is all about. You can do those things using tape but it would take weeks!

Prototipos Artísticos

2010-11-09T08:32:00.000-08:00

El especialista en interfáces de usuario Aza Raskin explica en su blog los puntos al considerar al crear un prototipo y lo resume a lo siguiente:

1. Your first try will be wrong. Budget and design for it.
2. Aim to finish a usable artifact in a day. This helps you focus and scope.
3. You are making a touchable sketch. Do not fill in all the lines.
4. You are iterating your solution as well as your understanding of the problem.
5. Treat your code as throw-away, but be ready to refactor.
6. Borrow liberally.
7. Tell a story with your prototype. It isn’t just a set of features.

A pesar de los intentos de Iannis Xenakis la música todavía no está tan formalizada (por lo menos para los músicos pero no es secreto que la industria se mueve en géneros bien definidos) como los lenguajes de programación de computadoras, pero éstas observaciones de diseño pueden ser muy útiles en el intercambio de ideas musicales.

¿Qué clase de cultura musical podría emerger si las obras se tratan como "prototipos" en lugar de piezas terminadas?

To Blacken the Pages: Night Drive

2010-10-20T23:55:00.000-07:00

Video de To Blacken the Pages. Guitarras ennegrecidas desde Irlanda.

Pídele al mono que vuelva

2010-10-20T08:48:00.000-07:00

Bob Dylan recomienda que sus primeros discos se escuchen en mono.

Ruqui Rockers

2010-10-08T08:33:00.000-07:00

El aficionadazo del metal.

Otra vez... con ustedes: ¡el Fratello Metallo! ¡Metallo italiano!

Convocatoria 2010 SOLO ESCUCHA!

2010-09-13T10:49:00.001-07:00

Esta convocatoria nace de la colaboración creada entre IN-SONORA Madrid y Transonica en agosto de 2010. A raíz de las experiencias comunes y el trabajo colectivo producido en la región de Guanajuato y con el áfan de promover una cultura de la escucha convocamos a los artistas del Bajio (Guanajuato, Jalisco, Michoacán y Queretaro) y S.Luis Potosí a participar en esta primera edición de la convocatoria SOLO ESCUCHA! Concurso para piezas en formato audible para su exposición en la VI edición de IN-SONORA Madrid.

Bases:

1. Podrán participar todos los artistas y músicos residentes en el Bajio y S. Luis Potosí.
2. Las piezas para el concurso deberán ser enviadas en formato mp3 y no deberán exceder los 5 minutos de duración.
3. Pueden participar piezas de musica experimental, electroacustica, radioarte, paisaje sonoro, poesia sonora etc. Lo importante es que sean pensadas para ser solamente escuchadas.
4. Los postulantes al concurso deberán enviar el archivo en mp3, un pdf con titulo, autor, fecha de realización y una breve explicación del proyecto a los correos (CC): infotransonica@gmail.com e in-sonora@gmail.com
5. El equipo de Transonica e In-sonora seleccionará 10 trabajos que serán expuestos en Madrid en una de las sedes del Festival IN-SONORA VI del 7 de octubre al 15 de noviembre de 2010 y serán colgados en la web de Transonica, la de IN-SONORA y en la página www.artesonoro.net.
6. La fecha límite para envio de trabajos es el 30 de septiembre de 2010 a las 24:00 horas de México.

www.in-sonora.com
transonica.wordpress.com

Daniel Ochoa

2010-07-11T10:11:00.000-07:00

Daniel Ochoa en acción, compositor potosino. Via: Tiempo de Jazz, Radio Universidad FM, 88.5MHz

Dominic Frasca

2010-07-08T16:55:00.001-07:00

Guitarra acústica de 10 cuerdas con Dominic Frasca.

Super Armónicos con Badi Assad

2010-07-08T16:47:00.001-07:00

Badi Assad.

simulacro: en diablero netlabel

2010-06-27T09:38:00.000-07:00

El ep una de vaqueros de simulacro: es la referencia D-012 de diablero.

Moda, Creatividad, Inovación, Propiedad Intelectual

2010-06-07T08:39:00.000-07:00

www.readytoshare.org
En donde se habla sobre las virtudes de la carencia casi total de propiedad intelectual en el mundo de la moda. Entre ellas:

• Aceleración de la inovación creativa
• Democratización de la moda
• Establecimiento rápido de modas globales
• Obsolecencia inducida

Y cómo se protege la industria de la moda de la piratería por medio de la inovación y la dificultad de copiar sus materiales y técnicas de producción.

Dennis Hopper, 1936-2010

2010-06-02T09:28:00.000-07:00

Puro R'n'R: Born to be Wild
RIP

Taller de Dramaturgia en SLP

2010-05-27T08:51:00.000-07:00

En la semana del 7 al 12 de junio del presente año, se llevara acabo el festejo del segundo aniversario del Colectivo Teatral de Tripas Corazón.

En el marco de este evento se realizaran 2 talleres, uno de ellos enfocado a aquellos que desean aprender a escribir teatro titulado “Dramaturgia básica para escritores y curiosos” en un horario de 9am a 12:00pm para éste taller no es necesario tener experiencia en el ámbito teatral; el segundo taller se titula “Edificación del drama contemporáneo” , va dirigido a escritores de textos dramáticos, en un horario de 4pm a 8pm. Ambos talleres se impartirán en el área de teatro de las instalaciones del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario por Luis Santillán dramaturgo y director de la escena contemporánea de nuestro país, mención honorífica del PREMIO MANUEL HERRERA (Malintzin, 2008); Ganador del CONCURSO DE DRAMATURGIA UAM-XOCHIMILCO 2004 (La historia ridícula del oso polar que se quedó encerrado en el baño del restaurante); PREMIO NACIONAL DE OBRA DE TEATRO, INBA-BAJA CALIFORNIA 2005 (Autopsia a un copo de nieve)

colectivodetripascorazon.blogspot.com

Como tocar el piano como Phillip Glass

2010-05-20T10:28:00.000-07:00

Ronnie James Dio, 1942-2010

2010-05-17T08:11:00.000-07:00

The lover of life's not a sinner
The ending is just a beginner
The closer you get to the meaning
The sooner you'll know that you're dreaming

Dio RIP

¿Qué es el Arte, David Lynch?

2010-05-14T15:31:00.000-07:00

It's self expression in a way. The Big Self expressing itself. It's all about the self knowing the self. This consciousness is called self-referral consciousness. It's always bending back on itself to know itself and we are that. So, somehow in this process music and painting and cinema is... is... you know... I think, in the big picture, the Self knowing the Self.

David Lynch Foundation Television

Frank Frazetta, 1928-2010

2010-05-11T07:43:00.000-07:00

Frank Frazetta RIP

Blackboard Jungle

2010-05-04T07:10:00.000-07:00

Porque nunca se puede tener demasiado dub: ¡Lee Perry!

El Cosmonauta Trailer

2010-03-28T10:25:00.000-07:00

El Cosmonauta Trailer from flspectro on Vimeo.

www.elcosmonauta.es
J. Nieto: edición
simulacro: sonido

Black Dub

2010-03-25T12:40:00.000-07:00

Pantera Blanca: Gil Scott-Heron

2010-02-09T09:26:00.001-08:00

La sabiduría:

y el estilo:

De Gil Scott-Heron.

El Orchestrion de Pat Metheny

2010-02-04T11:50:00.000-08:00

Orchestrion

Ética en la Piratería

2010-01-29T08:17:00.000-08:00

¿Alguna vez te haz preguntado qué es lo que sostiene la cadena de producción que crea la música que consumes? ¿Te haz preguntado si ésos recu rsos son sustentables?

The Myth of DIY
Toward a Common Ethic on Piracy
by Chris Ruen • July 2009

(...)
If you find meaning and beauty from a musician's work and you want them to continue creating it -- then you are obliged to support them. If you like the idea of record stores, the people they employ, the values and spirit they promote -- then you are obliged to support them. If you're consistently doing one without the other, then on some level you, not Metallica, are the asshole. Out of basic politeness, I (probably) won't say any of this to your face and neither will your friends, your record store clerk, or your favorite band.

But it is the truth.

Contacto en Jamaica 3: Tubby Is The Dub Organizer

2010-01-28T15:21:00.000-08:00

King Tubby at the mantrols:

simulacro: una de vaqueros ep

2010-01-24T09:59:00.000-08:00

Imágen cortesía de NASA: L-1973-00531, GPN-2000-001903

1. Domingo Leone 4:43
2. biwa fantasma 4:26
3. testigo criollo 3:19
4. el recuerdo de Armónica 5:01

Duración total: 17:31

Estas piezas se construyeron a partir de improvisaciones que posteriormente se editaron y reamplificaron. Experimentos para guitarra WAV. Inevitablemente hay descarrilamientos, explosiones, nubes de polvo y bandidos. Todos queremos ser el vaquero sin nombre.

El sonido se reconfigura y transfigura mostrando su naturaleza plástica. La representación digital crea nuevos medios y caminos. Libertad de la manipulación es la llave de la mutación.

This pieces were constructed from improvisations that were later edited and reamped. Experiments for WAV guitar. Unavoidably there are derailings, explotions, clouds of dust and bandits. We all want to be the no-name cowboy.

The sound is reconfigurated and transfigurated showing it's plastic nature. The digital representation creates new mediums and ways. Freedom in manipulation is the key of mutation.

simulacro: construcción y ensamble, guitarras materiales y espirituales, amplificadores y procesos.

Abril 2009 - Enero 2010, San Luis Potosí.

minimal thrash, drone metal

http://www.archive.org/details/rlsm02ep

Este trabajo está bajo una licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 2.5 Mexico License.

Cronos Habla

2010-01-22T07:19:00.000-08:00

Cronos, el líder de los dioses del black metal Venom opina en el blog del chico migraña.

sobre mezclar el punk con el metal y el "satanismo":

Para nosotros parecía lo correcto tomar algo de todo esto y mezclarlo, el rock finalmente siempre fue llamado la música del diablo así que decidimos juntar todo, las estperoles y la piel y el desmadre y lo que pasa siempre es que la gente se espanta mucho con las nuevas ideas, no saben qué decir, la gente no sabía si aceptar que les gustaba Venom o no.

sobre los cambios de integrantes y sus fans:

Nunca me ha importado quien esté en Venom siempre y cuando esté comprometida 100% con esta banda. Los dos otros que están en la banda ahora, Rage y Dante, ellos tienen tantas ganas de hacer este tour que ensayan diario sin quejarse hasta que les sangran los dedos. Así de grande es su compromiso, son Venom 100%, para mí Venom es para los fans y ellos quieren que la banda sea black metal y eso es lo que somos.

sobre su control de calidad:

Jamás dejo que la disquera lance un disco hasta que yo estoy convencido que es 100% Venom. Y Venom ha tomado sus riesgos, intentado ideas nuevas pero siempre es Venom.

sobre la jerarquía en el metal:

Yo amo el metal, para mí no hay arriba y abajo, sólo metal. Para mí que Metallica pegara como lo hizo significa algo enorme para el metal. Cualquier banda que logre toda esa publicidad en el nombre del metal ayudará a todas las bandas del género. Igual los chicos de Slayer o Slipknot o Pantera, todos son parte de la misma armada de metal que está allá afuera. Salir en la tele y la radio todo eso para mí ayuda, yo no creo que exista una banda número uno y una número 20. Todos somos dioses del metal.

sobre el black metal noruego:

Venom somos entretenedores. Somos músicos y ésta es nuestra profesión. Cantamos sobre satanismo, hechicería, rock and roll, sexo, drogas y lo que quieras. Tratábamos de ser la más grandiosa banda de metal. Pero, si tu le preguntas a alguien por Venom te va a decir “oh, Cronos, black metal, escenografía, pirotecnia” todo eso. Pero las bandas noruegas, las que tuvieron todos esos problemas de quemar iglesias y demás, si tú le preguntas a la gente que opina de Burzum o Mayhem te dirán “oh, asesinatos o quema de iglesias” Nadie los conoce por su música. Eso me parece increíble, Venom es conocido por sus canciones y su música, pero estas bandas de Noruega son conocidos por las terribles cosas que han hecho. Para mí eso es una pena. Yo he escuchado a Burzum y Mayhem y todas estas bandas y creo que hacían música muy buena, es una pena, por eso siempre le digo a la gente cuando me preguntan al respecto que Venom siempre ha tratado de hacer discos serios, pero al final del día también somos seres humanos y así como es chido tener temas como Bloodlust o In league with satan, también está chido hacer rolas como Teacher’s pet en la que cantamos de estar en la escuela viéndole las tetas a la maestra. Es como un guiño, no debe ser tomado tan literal, mostramos que somos seres humanos, algunos lo entienden por su sentido del humor y otros no. Tal vez algunas bandas noruegas death metaleras muy clavadas de esas que sólo dicen Satanás Satanás Satanás, tal vez ellos no entiendan el humor detrás de nuestra m´suica. Pero somos ingleses y ese es humor británico.

sobre internet:

Ahora puedes poner micrófonos en un cuartito de casa y grabar y hacer un demo y subirlo a la red o al Myspace y eso me parece fantástico. Así el mundo puede conocer el mensaje que ellos tienen que decir, la música que tocan. Eso sólo puede verse como algo bueno ¿no crees?

sobre los bootlegs:

Claro, yo era fan de los bootlegs cuando era joven. Y fue gracias a los bootlegs que conocí a bandas como Metallica y Slayer. En Inglaterra no teníamos mucha conexión con el resto del mundo y fue un amigo mío con el cual cambiaba bootlegs y que me conseguía de Kiss y otras bandas gringas que un día me dijo. “deberías escuchar estas bandas gringas, estos tipos usan playeras de Venom”. Y me dejó escuchar la grabación de algún concierto de Metallica en un club de San Francisco y así, cuando finalmente pudimos ir a tocar a Estados Unidos yo pedí que alguien buscara a Metallica porque me encantaría tocar con ellos. Así fue que nos conectamos.

sobre quién es la nueva sangre del metal:

Todas las bandas.

sobre el espectáculo:

Recuerdo la primera vez que vi a Slipknot con sus máscaras y todo y me preguntaba ¿cómo harán que esto funcione? Porque antes de ellos salió una banda llamada Gwar y ellos no la hicieron tan en grande. Eso me hacía pensar y preguntarme ¿será que esto funcionará? Además Slipknot es pesado como la chingada, cuando salimos de gira con ellos llevaban una manta con un pentagrama enorme colgado detrás, ya sebes, eso muestra que estos chavos si están de lleno en el metal pero estaban tratando de encontrar una nueva dirección. Creo que algo que pasa con muchas bandas es que no encuentran una dirección, muchos de ellos simplemente salen al escenario en sus jeans y playeras y no ofrecen nada de espectáculo y para mí eso es una pena porque, como dije antes, nosotros somos entretenedores. Para mí las que tienen oportunidad son las bandas que buscan la manera de recorrer ese caminito extra. Para mí se trata de que el dinero que ganas en los conciertos lo inviertas en el espectáculo para que sea lo más espectacular que se pueda y no que lo mandes directo a tu bolsillo. Para mí es así de simple, salir de gira es montar grandes conciertos. Ya sabes, se trata de llevar las rampas, el gran juego de luces, el gran backline, la batería enorme y la ropa de concierto especial, tengamos y llevemos todo. Se trata de entretener a todos. Las bandas que andan ahí afuera y que realmente hacen una diferencia son aquellas que montan un verdadero espectáculo.

Este blog también publica una reseña con fotografías excelentes del concierto que dieron en el DF.

Grabando Batería en 2 Tracks

2010-01-20T07:42:00.000-08:00

En el increíble Ronan's Recording Show:

Bersuit Vergarabat, Sonido, Semiótica, Ritual y Espectáculo

2010-01-12T17:01:00.001-08:00

Semi ótica musical en la revista TRANS. El sonido rock como eje de identidad en la música de Bersuit:

El Rock como un ritual adolescente. Trasgresión y realismo grotesco en los recitales de Bersuit
Silvia Citro

Se aprecia así una tendencia a un creciente eclecticismo musical, no obstante, la apropiación de estos otros géneros siempre se efectúa desde aquello que los miembros de la banda identifican como "sonido rock". Se trata de citaciones melódicas, rítmicas y de forma musical que al ser ejecutadas por la instrumentación básica del rock —la articulación de "batería, guitarra y bajo eléctrico" que define su fisonomía tímbrica y rítmica— y ser procesadas por sus características tecnologías sonoras, adquieren esos rasgos que hacen que "suenen como rock". Esta interpretación de los miembros de la banda parece confirmar parte de aquella apreciación de Frith (1999: 19) acerca de que en la actualidad, "el rock describe menos un estilo musical (o un contenido) que un valor auditivo", aunque, como veremos, para Bersuit los "contenidos" ideológicos sí son una variable definitoria.

Curso de Composición y Producción de Música en SLP

2010-01-05T15:24:00.001-08:00

El colectivo Horror Decibel Electro Comunity ofrece el siguiente curso en la ciudad de San Luis Potosí:

Curso Especializado en la Composición y Producción de Música a través de Medios Electronicos y Digitales. Los cursos durarán 48 horas, comenzando el dia sábado 16 de enero (sábados y domingos de 2 PM a 5 PM) en el café Nox Mors ubicado en Comonfort 105, en el centro. El curso será impartido por Pukko (Carlos Garrigos) asistido de Alan Vázquez (Destructor Heads).

Contacto para info e inscripciones:

pukkox@hotmail.com

Polvo de Chelo

2010-01-04T17:17:00.001-08:00

El proyecto Cello Powder de Nikos Veliotis:

"Cello Powder (The Complete Works for Cello) is a 'durational' project in two parts," Veliotis informs us. For the first part, the recording, "the sonic range of the cello is divided into 100 quarter tones. Every quarter tone is recorded for one hour. During this hour volume and timbre change from soft to very loud plus pure tone to noise and back. The 100 one hour drones will be mixed into one audio file – all 100 files will sound simultaneously – called The Complete Works for Cello and pressed onto a limited amount of CDs." In performance, "the cello used in the recording will be destroyed (turned into powder) in front of a live audience while The Complete Works for Cello is played back through speakers. The powder will be used to fill jars of approximately 250ml labelled, numbered and sealed. Every jar will be accompanied by a Complete Works for Cello CD. The number of discs available will be equal to the number of jars, the rest of the CDs will be destroyed in front of the audience."

Via la reseña en Paris Transatlantic:

"its sheer overwhelming power has to be experienced to be believed. Imagine playing all your Phill Niblock records at the same time and you're still nowhere near. Even at normal neighbour-friendly volume, this'll have your furniture moving around the room; crank it up and it sucks all the acoustic life out of whatever space you happen to be in – try screaming out yourself and listen to your voice disappear. On (good) headphones it's the perfect travelling companion, totally blocking out the perennially annoying sounds of fellow voyagers' mobile phones and leaking iPods, not to mention all traffic noise (in short, I wouldn't recommend it if you're riding a bike – I've tried it and it's fucking scary..). And when it stops, suddenly, it's as if the ground has fallen away from under your feet. Then, miraculously, the ear, having been blasted open for a full hour, suddenly discovers the extraordinary world of sonic detail in the world around us. Curiously, then, Veliotis's 60-minute wall of sound ends up doing exactly what John Cage wanted his 4'33" of "silence" to achieve."

Escuchalo, descargalo, prepárate para ser pulverizado.

¡Reamplifica!

2009-12-15T08:32:00.001-08:00

Sunn 0))) opina sobre la reamplificación en la revista Guitar Player:

(...)

It's shocking how much you can mod out your amp by only changing the preamp tubes. You can get an incredible range of levels and harmonic overtones.

GW: You're playing music that requires high-output amps and creates subsonic frequencies. What challenges does that present as far as the recording setup?

ANDERSON: It's a challenge to record. The main thing with this record (Monoliths and Dimensions) was to make it sound vibrant and live. All of the heavy stuff was tracked at full volume. Re-amping is something we learned a few years ago on Black One. Since we have no drummer and no meter, it's really frustrating to overdub. So what we do is track everything clean, and afterward we can send those clean tracks back through the amps to create the sound we want.

Académicos Vs. Black Metaleros

2009-12-15T08:08:00.001-08:00

En el New York Times:

Thank You, Professor, That Was Putrid

By BEN RATLIFF

Published: December 15, 2009

"Hideous Gnosis," a six-hour theory symposium on black-metal music, commenced on Saturday at Public Assembly.

The bald, beefy moderator, Niall Scott of the University of Central Lancashire, approached the podium in darkness. "It is my revolting pleasure," he susurrated, pulling on his long goatee, "to introduce Professor Erik Butler, who will present his paper 'The Counter-Reformation in Stone and Metal: Spiritual Substances.' "

And Mr. Butler, an assistant professor of German studies at Emory University, talked about black-metal music — in its second-wave, largely Norwegian form — as a cryptic expression of Roman Catholicism. He started with the 16th-century Council of Trent and the early modern church. He quoted lyrics from the face-painted, early-1990s Norwegian black-metal bands Gorgoroth and Immortal; he framed black metal as respecting some of rock's orthodoxies, as opposed to the heresies of disco and punk; and he spoke of black metal's preoccupation with "the abiding and transcendent: stone, mountain, moon."

(...)

"The purest black-metal artist is one who's unknown and inaccessible," said Nicola Masciandaro, a professor of medieval literature at Brooklyn College who organized the six-hour event.

In a way, black metal runs on a very old cultural motor: loss of faith, and the hysterical fear and sadness that come with it. But it has become one of rock's best modes of resistance, which is why it persists, why recent books and films about it have found an audience (like Peter Beste's photo essay "True Norwegian Black Metal" and the documentary "Until the Light Takes Us") and why it has inspired a new American wave of bands, including Nachtmystium, Krallice, Wolves in the Throne Room and Liturgy.

(...)

During a Q. and A. period Mr. Hunt-Hendrix was challenged by Scott Wilson, a professor from Lancaster University, who, like Mr. Scott, had traveled from England to attend the conference. Mr. Wilson wondered, skeptically, if transcendentalist black metal just boiled down to "all you need is love."

"I'm not so interested in defending anything I say," Mr. Hunt-Hendrix replied. "I only like to be judged on whether it's interesting or not."

But perhaps the day's most profound lecture came from Mr. Scott, who spoke in priestly cadences about black metal as part of the ritual of confession.

"The black metal event is a confession without need of absolution, without need of redemption," he said. It is, he added, "a cleaning up of the mess of others." He invoked the old English tradition of sin eating by means of burial cakes, in which a loaf of bread was put on a funeral bier or a corpse, and a paid member of the community would eat the bread, representing sin, to absolve and comfort the deceased.

"Black metal has become the sin eater," he intoned. "It is engaged in transgressive behavior to be rid of it."

Analógico vs. Digital. Rudy Van Gelder Habla.

2009-11-19T10:45:00.001-08:00

Rudy Van Gelder, ingeniero extraordinario opina en la revista Mix:

"I believe today's equipment is fantastic," he says. "I wouldn't want to face a session without the editing capabilities of digital. There are still maintenance and reliability issues. Tech support helps. From my viewpoint, the essential difference between analog and digital is that analog does not like to be copied," Van Gelder continues. "After the original is recorded, edited and mixed, then what? You need a digital delivery medium. In that sense, the final product can be much higher quality than in the '70s."

Anlace en Video

2009-11-10T12:46:00.001-08:00

Anlace, ahora en video. ¡Vientos!

Terry Riley

2009-11-10T07:11:00.001-08:00

Terry Riley en entrevista para La Jornada:

Sobre el mantra como método de composición:

Mi manera de componer no ha variado desde la última vez que hablamos usted y yo. No le llamaría método ni técnica porque soy del tipo de personas que no son metódicas, porque la música no necesita método, es una práctica cotidiana, de manera que nuestra actitud es permanecer abiertos siempre a nuevas experiencias.

Cada día alguien descubre un nuevo aspecto, algo en lo que nadie había reparado hasta el momento. Es un proceso muy largo que requiere mucha práctica, nunca métodos, por eso recurro al procedimiento de los mantra: su repetición conduce al cambio, expande las ideas, modifica las reglas del juego, mejora el mundo.

Lo que me interesa es mantener mi ser interior abierto, porque el universo es tan vasto que carece de sentido cerrarse a un método, a un solo tema, a un aspecto solamente de las cosas. Todos los seres vivos, por lo tanto, debemos mantener la concentración hacia lo nuevo, las experiencias nuevas de cada día.

Sobre la música como meditación:

La música es una forma de meditación. Puedes escuchar la música, pero en realidad es una meditación trascendental.

Sobre la percepción de la música:

Es un acto individual. Cada individuo posee una manera diferente de experimentar la música, cada quien escucha diferente en cuanto a su conformación cultural, pero sobre todo espiritual. Hay distintos niveles en la experiencia musical que satisfacen diferentes necesidades: intelectuales, afectivas, emocionales, espirituales. Por eso la música es esencial para la vida. Es una necesidad. Es de primera necesidad, como el agua. Escuchar música atendiendo a esos distintos niveles equivale a tomar sorbos de agua que te hacen sentir mejor como persona.

Lo interesante es que puedes llamar agua a lo que tomaste o no. Lo importante es la experiencia, lo que significa para tu organismo y para tu ser.

Sucede lo mismo con la música. De manera que denominar minimalismo a cierta música, como la mía, resulta de principio inadecuado para describir una iluminación interior profunda como resultado de una experiencia musical.

Elementals de Dave Seidel

2009-10-29T18:00:00.001-07:00

Descarga el álbum Elementals de Dave Seidel en la netlabel Stasisfield. Drones en la tradición sagrada de Phill Niblock.

Vía PostClassic, el excelente blog de Kyle Gann.

Gear Spotting, The Killers: Shure Beta 58A

2009-10-15T08:47:00.000-07:00

Brandon Flowers de The Killers usando un Shure Beta 58A durante la grabación de Live from Abbey Road. Los tracks "Sam's Town (Abbey Road Version)" y "Romeo and Juliet" de esas sesiones aparecen en el álbum Sawdust.

Daniel Lanois

2009-09-17T17:22:00.000-07:00

¡Daniel Lanois en acción!

Zöe Keating, Avant Cellist

2009-09-10T16:55:00.001-07:00

El chelo cuántico de Zöe Keating.

Poder Plugin

2009-08-20T16:18:00.000-07:00

De la revista EQ:

Five Essential Guitar Tones
By by Matt Blackett, Associate Editor, Guitar Player

Need to produce great guitar tones for your tracks, or someone else’s? Here are the five you can’t afford not to know about.

En este artículo se revelan detalles interesantes como que "Sultans of Swing" se grabó con un Fender Twin Reverb y un Roland JC-120 con el chorus apagado y que SRV usaba el Tube Screamer como un boost con una ganacia baja y el volúmen alto.

Todos los plugins que necestias están en SimulAnalog y son gratis. También puedes probar la simulación del Tube Screamer de bteaudio y utilizar el demo gratis de Guitar Rig. Excelente noticias para el sonido de guitarras.

Les Paul, RIP

2009-08-13T16:53:00.001-07:00

1915 - 2009

Zaïmph

2009-07-17T17:15:00.000-07:00

zaimph.org

Mejorando La Melodía

2009-07-13T11:40:00.000-07:00

Pat Pattison "afinando" una melodía vocal con letras:

Via debbiecavalier.berkleemusicblogs.com

Consejos de Trent Reznor

2009-07-13T11:29:00.000-07:00

Algunos consejos de Trent Reznor para nuevos artistas:

I posted a message on Twitter yesterday stating I thought The Beastie Boys and TopSpin Media "got it right" regarding how to sell music in this day and age. Here's a link to their store:

[illcommunication.beastieboys.com]

Shortly thereafter, I got some responses from people stating the usual "yeah, if you're an established artist - what if you're just trying to get heard?" argument. In an interview I did recently this topic came up and I'll reiterate what I said here.

If you are an unknown / lesser-known artist trying to get noticed / established:

* Establish your goals. What are you trying to do / accomplish? If you are looking for mainstream super-success (think Lady GaGa, Coldplay, U2, Justin Timberlake) - your best bet in my opinion is to look at major labels and prepare to share all revenue streams / creative control / music ownership. To reach that kind of critical mass these days your need old-school marketing muscle and that only comes from major labels. Good luck with that one.

If you're forging your own path, read on.

* Forget thinking you are going to make any real money from record sales. Make your record cheaply (but great) and GIVE IT AWAY. As an artist you want as many people as possible to hear your work. Word of mouth is the only true marketing that matters.
To clarify:
Parter with a TopSpin or similar or build your own website, but what you NEED to do is this - give your music away as high-quality DRM-free MP3s. Collect people's email info in exchange (which means having the infrastructure to do so) and start building your database of potential customers. Then, offer a variety of premium packages for sale and make them limited editions / scarce goods. Base the price and amount available on what you think you can sell. Make the packages special - make them by hand, sign them, make them unique, make them something YOU would want to have as a fan. Make a premium download available that includes high-resolution versions (for sale at a reasonable price) and include the download as something immediately available with any physical purchase. Sell T-shirts. Sell buttons, posters... whatever.

Don't have a TopSpin as a partner? Use Amazon for your transactions and fulfillment. [www.amazon.com]

Use TuneCore to get your music everywhere. [www.tunecore.com]

Have a realistic idea of what you can expect to make from these and budget your recording appropriately.
The point is this: music IS free whether you want to believe that or not. Every piece of music you can think of is available free right now a click away. This is a fact - it sucks as the musician BUT THAT'S THE WAY IT IS (for now). So... have the public get what they want FROM YOU instead of a torrent site and garner good will in the process (plus build your database).

The Beastie Boys' site offers everything you could possibly want in the formats you would want it in - available right from them, right now. The prices they are charging are more than you should be charging - they are established and you are not. Think this through.

The database you are amassing should not be abused, but used to inform people that are interested in what you do when you have something going on - like a few shows, or a tour, or a new record, or a webcast, etc.
Have your MySpace page, but get a site outside MySpace - it's dying and reads as cheap / generic. Remove all Flash from your website. Remove all stupid intros and load-times. MAKE IT SIMPLE TO NAVIGATE AND EASY TO FIND AND HEAR MUSIC (but don't autoplay). Constantly update your site with content - pictures, blogs, whatever. Give people a reason to return to your site all the time. Put up a bulletin board and start a community. Engage your fans (with caution!) Make cheap videos. Film yourself talking. Play shows. Make interesting things. Get a Twitter account. Be interesting. Be real. Submit your music to blogs that may be interested. NEVER CHASE TRENDS. Utilize the multitude of tools available to you for very little cost of any - Flickr / YouTube / Vimeo / SoundCloud / Twitter etc.

If you don't know anything about new media or how people communicate these days, none of this will work. The role of an independent musician these days requires a mastery of first hand use of these tools. If you don't get it - find someone who does to do this for you. If you are waiting around for the phone to ring or that A & R guy to show up at your gig - good luck, you're going to be waiting a while.

Hope this helps, and I'll scour responses for intelligent comments I can respond to.

TR

TopSpin Media info:
[topspinmedia.com]

(disclaimer)
This was written on a bumpy Euro-bus ride across the wilderness - may ramble a bit but I think the point gets across.
TR

UPDATE 1:
Thanks for the insightful comments already - when I get a moment (and a reliable internet connection) I'll respond to some of your very valid points. Please keep in mind - these were just some thoughts I quickly wrote down and posted and not meant to be a complete guide by any means. I've neglected to get into publishing and some other things. I'll update pretty soon.

(...)

Bandcamp
[bandcamp.com]

This looks excellent to me. I have not used it but it appears to be great. This would cover your digital distribution of files and the collecting / amassing of your database. Looks like you'd still need someplace to handle fulfillment of merchandise / physical goods (like the Amazon link above).

Pay-what-you-want model
This is where you offer tracks or albums for a user-determined price. I hate this concept, and here's why.
Some have argued that giving music away free devalues music. I disagree. Asking people what they think music is worth devalues music. Don't believe me? Write and record something you really believe is great and release it to the public as a "pay-what-you-think-it's-worth" model and then let's talk. Read a BB entry from a "fan" rationalizing why your whole album is worth 50 cents because he only likes 5 songs on it. Trust me on this one - you will be disappointed, disheartened and find yourself resenting a faction of your audience. This is your art! This is your life! It has a value and you the artist are not putting that power in the hands of the audience - doing so creates a dangerous perception issue. If the FEE you are charging is zero, you are not empowering the fan to say this is only worth an insultingly low monetary value. Don't be misled by Radiohead's In Rainbows stunt. That works one time for one band once - and you are not Radiohead.

Why put something on iTunes for a price fans can get it from your site for free? Won't it piss people off?
Do it and don't worry about it. Lots of people apparently shop at iTunes exclusively and that's where they get their music. They are generally not the people that would be mad to discover they could have gotten the same record (at a better bit-rate) for free elsewhere. We put The Slip up at nin.com for free at all fidelities and STILL sold a fairly large amount of copies at iTunes for $9.99. At the time iTunes did not allow variable pricing (I don't know what the deal is now).

My Flash comments
I don't hate Flash, just go easy on it and avoid anything that takes time to load - ESPECIALLY your front page.

Managers / booking agents / small labels
Any or all of these may be good for you - or not. Here's a truth: nobody knows what to do right now, me included. The music business model is broken right now. That means every single job position in the music industry has to re-educate itself and learn / discover / adapt a new way. Change can be painful and hard and scary. If any of these entities we're discussing are interested in you, ask them about their strategies IN DETAIL. None of them know for sure what to do. Some of them have an idea of how to negotiate these waters. Most of them don't. If you are young and use the internet, you know more about your audience than they do - for sure. This is a revolution and you can be a part of it. The old guard is dying, if you have good ideas - try them.
Bottom line - before getting involved with anyone else, ask yourself what it is they can clearly bring to your table and is it worth their cut. Do they know what they're talking about, and does their strategies match yours?

I have not gotten into the basics which I believe are self-evident: believe in what you do, do the best work you can, work hard, practice, practice more, find your voice, hone in on it, take chances, play live (if applicable), practice more, keep believing in yourself and prepare for the long haul.

simulacro: en diablero netlabel

2009-06-30T08:45:00.000-07:00

El ep ¡mono! de simulacro: es la referencia D-006 de diablero.

Rey del Pop

2009-06-30T07:52:00.000-07:00

Never land

Jackson is what all humans will become if we develop further in the direction of postmodernism and self-mediation. He is what we'll become if we get both more Wildean and more Nietzschean. He's what we'll become only if we're lucky and avoid a new brutality based on overpopulation and competition for dwindling resources. By attacking Jackson and what he stands for -- the effete, the artificial, the ambiguous -- we make a certain kind of relatively benign future mapped out for ourselves into a Neverland, something forbidden, discredited, derided. When we should be deriding what passes for our normalcy -- war, waste, and the things we do en masse are the things that threaten us -- we end up deriding dandyism and deviance. And Jackson is the ultimate dandy and the ultimate deviant. He can fly across our Either-Or binaries, and never land. It's debateable whether he's the king of pop, but he's undoubtedly the king of Yet-Also.

Consider all the extraordinary ways in which Michael Jackson is Yet-Also. He's black yet also white. He's adult yet also a child. He's male yet also female. He's gay yet also straight. He has children, yet he's also never fucked their mothers. He's wearing a mask, yet he's also showing his real self. He's walking yet also sliding. He's guilty yet also innocent. He's American yet also global. He's sexual yet also sexless. He's immensely rich yet also bankrupt. He's Judy Garland yet also Andy Warhol. He's real yet also synthetic. He's crazy yet also sane, human yet also robot, from the present yet also from the future. He declares his songs heavensent, and yet he also constructs them himself. He's the luckiest man in the world yet the unluckiest. His work is play. He's bad, yet also good. He's blessed yet also cursed. He's alive, but only in theory.

Datos

Billie Jean: Las voces se grabaron en una toma, con un micrófono SM57 al final de un tubo de cartón de 6 pies. Se hicieron 91 versiones de mezcla.

Beat it: Eddie Van Halen toca el solo de guitarra.

Thriller: La voz y risa macabra al final de la canción es Vincent Price.

(((o))) - Humo (stop motion)

2009-06-30T07:44:00.000-07:00

Omar Souleyman

2009-06-11T11:45:00.000-07:00

Born in rural Northeastern Syria, he began his musical career in 1994 with a small group of local collaborators that remain with him today. The myriad musical traditions of the region are evident in their music. Here, classical Arabic mawal-style vocalization gives way to high-octane Syrian Dabke (the regional folkloric dance and party music), Iraqi Choubi and a host of Arabic, Kurdish and Turkish styles, among others. This amalgamation is truly the sound of Syria. The music often has an overdriven sound consisting of phase-shifted Arabic keyboard solos and frantic rhythms. At breakneck speeds, these shrill Syrian electronics play out like forbidden morse-code, but the moods swing from coarse and urgent to dirgy and contemplative in the rugged anthems that comprise Souleyman's repertoire.

Anlace, Transmutación

2009-06-05T06:48:00.000-07:00

Descarga el álbum Transmutación de Anlace. Metal potosino de excelente factura. Desde su página también se puede descargar el álbum Bleeding Your Hate de 2007.

Mezclando A La Gran Calabaza

2009-05-22T08:07:00.000-07:00

Un artículo super detallado acerca de las estrategias de grabación de Billy Corgan, alquimísta sónico certificado, con Smashing Pumpkins:
Signal To Noise: The Sonic Diary Of The Smashing Pumpkins
By Richard Thomas

“Billy was very ambitious,” Vig remembers. “He wanted to make everything sound amazing and see how far he could take it; really spend time on the production and the performances. For me that was a godsend because I was used to doing records for all the indie labels and we only had budgets for three or four days.”

Otros artículos:

INDUSTRIAL REVOLUTIONARY
Alan Moulder; Recording Nine Inch Nails & Smashing Pumpkins

Sobre elegir la mezcladora adecuada para cada canción:

Most of the songs that I mixed were fast and full-range rock tracks that needed that separation, detail and punch that the SSL can offer; the API was maybe a little bit too flabby-sounding for that. Then again, the depth of the API just sounded fantastic on some of the slower and more open songs. As it was, I had a job on quite a lot of the tracks getting out of the SSL what was good about the API. They got good room mixes, and I spent a long time A/B'ing their rough mixes and trying to match the tone that was pleasant from the API — that warmth and bottom end — before then taking it on.

Tour Profile: Smashing Pumkins
By David John Farinella

Sobre trucos en concierto (bus maestro):

TC Electronic D-Two and System 6000, the D5's built-in delay and an Eventide Harmonizer “with the ‘Pumpkinizer,’ which is the setting that Billy came up with years ago,” Lemon says. “I use that to give the old songs a different texture.”

Micrófonos de batería:

“There are three mics on the snare because Jimmy is such a dynamic player,” Lemon explains. “He'll rim-shot for half the show and then be back in the center.” A second snare is miked with a 57.

Poder Pedalero

2009-05-19T07:16:00.000-07:00

Chri s Car ter de Throbbing Gristle y su video tributo al BBC Radioph onic Workshop:

Experimental Tribute from Chris Carter on Vimeo.

Copyfighter

2009-05-18T11:54:00.000-07:00

Cory Doctorow en Rolling Stone Argentina:

(...) muchos músicos están despertando. Quizá no les guste lo que está pasando con Internet, porque durante toda su carrera les llenaron la cabeza diciéndoles "no te dejes copiar". Pero de ahí a ir en contra de sus propios fanáticos... En Estados Unidos, miles de personas fueron enjuiciadas, pero esas ganancias no fueron para los creadores. El artista promedio quiere ser recordado como el tipo con el que sus fans perdieron la virginidad, no como el tipo con el que sus fans perdieron el disco rígido. Es terrible que cada vez que pienses en, por ejemplo, Tom Waits, digas: "Por culpa de ese tarado perdí mi tesis de diez años que estaba en el mismo rígido que su álbum".
¿No se supone que estas organizaciones velan por los artistas?
Hay un sucio secreto en la industria discográfica: en Estados Unidos, el 97 por ciento de los artistas cobra apenas 600 dólares al año con este modelo. Es decir, con la excepción de un puñado de artistas, nadie en la industria musical hace suficiente dinero, sólo los ejecutivos. Siempre ha sido así. De la gran mayoría de personas que quieren hacer arte, sólo una ínfima porción logra hacer dinero con el arte. Y esto es culpa de la explotación de algunos intermediarios, pero también, y sobre todo, porque la economía en el arte es irracional. Cuando un zapatero se da cuenta de que el costo de reparar zapatos es más alto que las ganancias, busca otro trabajo; el artista insiste.

Steve Reich Gana El Pulitzer 2009

2009-05-14T07:44:00.000-07:00

Steve Reich gana el premio Pulitzer 2009 en la sección de música con la obre Double Sextet:

Double Sextet

By: Steve Reich

Double Sextet (2007) 22'
for ensemble (or ensemble and pre-recorded tape)

Scoring
2fl-2cl-2vln-2vcl-2vib-2pft or fl-cl-vln-vcl-vib-pft and pre-recorded tape

World Premiere
3/26/2008
University of Richmond, Richmond, VA
eighth blackbird

Composer's Notes
There are two identical sextets in Double Sextet. Each one is comprised of flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and cello. Doubling the instrumentation was done so that, as in so many of my earlier works, two identical instruments could interlock to produce one overall pattern. For example, in this piece you will hear the pianos and vibes interlocking in a highly rhythmic way to drive the rest of the ensemble.

The piece can be played in two ways; either with 12 musicians, or with six playing against a recording of themselves. In these premiere performance you will hear the sextet Eighth Blackbird, who commissioned the work, playing against their recording.

The idea of a single player playing against a recording of themselves goes all the way back to Violin Phase of 1967 and extends though Vermont Counterpoint (1982), New York Counterpoint (1985), Electric Counterpoint (1987) and Cello Counterpoint (2003). The expansion of this idea to an entire chamber ensemble playing against pre-recordings of themselves begins with Different Trains (1988) and continues with Triple quartet (1999) and now to Double Sextet. By doubling an entire chamber ensemble one creates the possibility for multiple simultaneous contrapuntal webs of identical instruments. In Different Trains and Triple Quartet all instruments are strings to produce one large string fabric. In Double Sextet there is more timbrel variety through the interlocking of six different pairs of percussion, string and wind instruments.

The piece is in three movements fast, slow, fast and within each movement there are four harmonic sections built around the keys of D, F, Ab and B or their relative minor keys b,d,f and g#. As in almost all my music, modulations from one key to the next are sudden, clearly setting off each new section.

Double Sextet is about 22 minutes long and was completed in October 2007. It was commissioned by Eighth Blackbird and will receive its world premiere by that group at the University of Richmond in Virginia on March 26, 2008. The New York Premiere will be at Carnegie Zankel Hall on April 17, 2008.

Siento mi fragilidad...

2009-05-13T07:27:00.000-07:00

Antonio Vega RIP

Deja que pasemos sin miedo...

Die basta-Zeiten sind vorbei de Carlos Sandoval en el Festival de San Luis

2009-04-15T17:20:00.000-07:00

Conocí a Carlos Sandoval hace unos nueve años después de una conferencia sobre música y tecnología en el IICO de la UASLP. No recuerdo el nombre de la plática pero recuerdo claramente que la sesión de preguntas terminó convirtiéndose en el clásico debate entre lo que es música y lo que no. En ese tiempo la tecnología de síntesis y reproducción de samples todavía era limitada pero ya se vislumbraba el potencial expresivo que ofrecían sus controladores. En Mayo de 2006 Carlos Sandoval colaboró en la célebre instalación sonora Sotavento en el Patio del Edificio Central de la UASLP. En esta pieza utilizó los movimientos de la jacaranda para activar samples y generar datos que se compartieron vía internet con otras instalaciones en Italia y Alemania. En esta pieza la tecnología de control y reproducción de sonidos ya estaba muy madura y el tráfico de estudiantes en el edificio hizo de esa instalación una pieza memorable para los visitantes. En esta edición del Festival de San Luis, Carlos Sandoval tiene programadas dos actividades: el concierto de su pieza "Die Basta Zeiten sind Vorbei" el 25 de Abril y "Joysticks" el 2 de Mayo, en el Laberinto de las Ciencias y las Artes. En su página, Carlos Sandoval tiene información muy extensa sobre su música y accedió a concederme la siguiente entrevista vía email.

No obstante que “Die Basta-Zeiten sind vorbei" es una pieza recién estrenada, supongo que implicó mucho trabajo de colaboración. ¿Cómo lograste involucrar a los ejecutantes y al director en una pieza de índole tan colaborativa?

“Die basta…” es la hermana mayor de “Mosaicos”, primer pieza que desarrollé junto con el ensamble Mosaik. Ha sido un proceso relativamente largo, de aproximadamente dos años, en el que se han realizado actividades de índole diversa: desde ejercicios de expresión corporal y técnicas teatrales de respiración, hasta discusiones específicas sobre el cimiento de los materiales musicales. Desarrollé ambas piezas dentro del contexto del festival Open Sources, dedicado a obras que requieren la colaboración entre ejecutantes y compositores para su creación y presentación. Normalmente, los ejecutantes se especializan en la decodificación de una obra, no en el proceso creativo de ésta. Por eso he requerido de un trabajo más intenso con los ejecutantes. Tanto “Mosaicos” como “Die Basta” son obras en permanente evolución. No se puede pensar en ellas como “composiciones” cerradas, en el sentido usual del término.

En esta pieza los músicos reciben instrucciones para que modifiquen el material melódico bajo ciertos parámetros, como una "improvisación controlada". Me parece muy similar a los mecanismos colaborativos del jazz y otros géneros improvisados. ¿Los músicos con los que trabajas tienen ésa experiencia?

No encuentro en “Die basta…” una relación directa con el jazz, género de carácter homofónico normalmente basado en estructuras armónicas predefinidas. Los ejemplos más cercanos a “Die basta…” son algunas “game pieces” de J. Zorn (“Baseball”, “Lacrose” y “Cobra” entre otras), y el trabajo de W. Thomson llamado genéricamente Sound Painting. En “Die basta…”, sin embargo, uso técnicas y enfoques distintos que podrían localizarse precisamente entre las técnicas de estos dos músicos. El jazz, el rock, la música jarocha y otros géneros musicales ligados a la improvisación guardan una fuerte relación con la tradición y el referente cultural, y en ciertos casos con la tradición escrita. “Die Basta…” es en parte una pieza escrita, pero no está basada en alguna tradición cultural paradigmática. La pieza puede ser ejecutada por músicos de tradiciones y filosofías musicales distintas. Esto la convierte en una pieza abierta, libre de ordenes sistémicos, ya sean interválicos, escalísticos, métricos etc. Los músicos que ejecutan este pieza no necesitan conocimientos musicales específicos, definidos por mí, para ejecutarla.

Cuando el público se encuentra inmerso en un mundo musical tan controlado empieza a reconocer cierta identidad dentro de la pieza, pero cada transformación modifica la percepción total. ¿Consideras importante que el público perciba esos cambios en los materiales musicales o tu estrategia como conductor es crear nueva música a partir de materiales limitados?

“Die basta…” es básicamente una anti-incubadora. Es una pieza enfocada en la de-construcción de materiales seminales mínimos. Es precisamente en este proceso de de-construcción de estos materiales seminales mínimos donde la pieza se genera desde su inicio hasta su final, en una suerte de retroalimentación auto-destructiva. Sólo a través de ejecuciones consecutivas podría el público identificar los materiales seminales mínimos, situación muy improbable que además no esta relacionada con la intención de la pieza: es sólo una de sus características.

En esta pieza tenemos dos "capitanes". ¿Utilizan estrategias predeterminadas o salen a improvisar basándose en su conocimiento de la pieza?

Ambos directores trabajan con materiales distintos: uno con materiales seminales mínimos basados en texturas, y otro con breves texturas y melodías que deben repetirse como loops. Ambos tienen la posibilidad de transformar estos materiales en tiempo real. Lo único predeterminado en esta pieza son estos materiales escritos en notación musical o a base de símbolos. Los dos directores crean la pieza en tiempo real sin ningún acuerdo previo.

Cuando el público se encuentra con música instrumental tiene ciertas expectativas: “los violines se tocan así” o “el piano se toca así”, etc. En este caso tu instrumento son los guantes. En cierto modo te vistes con sonidos y tu ejecución por lo tanto es muy expresiva visualmente. ¿Cómo preparas los sonidos que utilizas en los guantes? ¿Utilizas criterios musicales para seleccionarlos? ¿Practicas los gestos que vas a utilizar? ¿Prefieres reaccionar e improvisar ante el sonido que obtienes?

Creo nuevos sonidos para mis guantes de forma regular, sin tener en mente alguna pieza en especial. Actualmente cuento con una buena cantidad de sonidos creados por mí para los guantes, organizados en familias diversas. El proceso de selección de estos sonidos es la parte compositiva de una pieza; con esta selección defino por dónde quiero que la pieza se “mueva” sonoramente hablando. La interfaz que uso para los guantes es una mezcla de procesos random (nunca sé cuál sonido es el siguiente, si bien sé que pertenece a una familia específica) con cierto aspectos predefinidos. El software se podría describir como una casa con doce cuartos, en cada unos de los cuales hay doce cajas llenas de papelitos organizados por familias. Puedo desplazarme libremente por esta casa y escoger, en uno de sus cuartos, una de las cajas y sacar de ella unos de estos papelitos, sin saber exactamente cómo es. El sistema es “generativo”, esto es: las evoluciones sonoras son el resultado de una anidación en la cuál decido qué sigue sólo a partir de lo que recién escucho.

Tienes una presencia ejemplar en Internet. ¿Qué tan importante ha sido para tí adoptar este medio para difundir tu arte?

La mejor manera de difundir mi música ha ido siempre su presentación en vivo ante el público. La red es sólo una herramienta para compartir información. Sólo en mis instalaciones basadas en redes de árboles sonoros, la red desempeña un papel preponderante, parte misma de la concepción de estas instalaciones.

Estás muy involucrado en la escena europea experimental/improv de Berlin. ¿Cómo es el contexto social de esa escena? ¿Los músicos se preparan en alguna escuela? ¿Hay tradición de músicos improvisadores? ¿Estos proyectos tienen patrocinio estatal o privado?

La improvisación libre, que es el campo de la improvisación en que me muevo, es el “género” menos apoyado en general, en muchos países. Alemania, país en el que la palabra “improvisación” es casi un insulto, no es una excepción. Si hay una tradición en improvisación libre en Europa, normalmente vinculada con la creación de instrumentos nuevos y la experimentación sonora.

¿Cómo convencer a los instrumentistas que se animen a improvisar?

En general, los instrumentistas son reacios a improvisar ya que se han formado siguiendo los cánones de la tradición escrita. Para mi ha sido más fácil atraerlos si combino la improvisación con la composición: esto es, si mezclo partes escritas con partes improvisadas. Sin embargo, aún así, los ejecutantes “clásicos” que quieran improvisar deberían primero expandir su manera de ver la música y establecer una relación distinta, que implique mayor corresponsabilidad, con los compositores. Esto es un proceso largo y a veces muy personal.

Tu has trabajado en México y en otros países y puedes ver las diferencias en la interacción entre músicos, audiencia y apoyos. ¿Has pensado en la posibilidad de trasladar algunos aspectos exitosos de tus experiencias en Berlín a México?

He tratado de desarrollar proyectos en México desde el inicio de mi carrera con ciertos resultados positivos. Sin embargo, últimamente este no ha sido el caso. En Alemania y Europa en general, mis ideas y mi música han sido acogidas con mayor respeto y entendimiento. Esta es la única razón de mi exilio voluntario. Sin embargo, irónicamente, este exilio voluntario no hubiera sido posible sin el apoyo del FONCA, como miembro del Sistema Nacional de Creadores.

¿Cómo hacer para que las herramientas, académicas y técnicas desarrolladas en otras esferas obtengan tracción necesaria y sustentable en lo local (México)? ¿Has tenido experiencias al respecto?

En general no tengo relación con la academia. He sido compositor independiente desde el inicio de mi carrera. Sin embargo, en mi opinión, creo cada país debe desarrollar sus propias herramientas de enseñanza, enriquecidas con las experiencias positivas de otras naciones. Hay ya toda una generación de compositores-maestros que se formaron en Europa o los Estados Unidos que actualmente son docentes en México. A ellos habrá que preguntarles.

Enlaces:

www.carlos-sandoval.de

Die basta-Zeiten sind Vorbei

Joysticks de Carlos Sandoval en el Festival de San Luis

2009-04-15T17:18:00.000-07:00

Carlos Sandoval presenta dos piezas en el próximo Festival de San Luis, "Die Basta Zeiten sind Vorbei" el 25 de Abril y "Joysticks" el 2 de Mayo, en el Laberinto de las Ciencias y las Artes. Estas son sus notas para la pieza "Joysticks".

Pieza para ensamble infantil, 2 percusionistas, video y electrónica en vivo

Si los personajes agresivos y alienados de un vídeo-juego pudieran salirse de la pantalla y transformarse en seres humanos creativos, capaces de interactuar entre ellos de una manera original y positiva, lo harían en Joysticks la pieza del Tilt Group de Berlín.

Joysticks es una pieza que expone a los video-jugadores compulsivos como usuarios pasivos de una tecnología que tiende a aislarlos y alienarlos. En este concierto veremos a un conjunto de niños y niñas que inventan, en colaboración con músicos de carrera, una nueva manera de hacer música usando los mismos joysticks de los video-juegos. Jugarán con su voz y otros objetos musicales e instrumentos de percusión y transformarán estas expresiones sonoras en ese momento, usando los joysticks como interfaz, como un instrumento musical.

Después de este concierto, los niños y sus padres verán la tecnología de video-juegos de una manera distinta: sucede que la tecnología, la creatividad y la comunicación humana profunda no están peleadas.

La presentación de Joysticks implicó la realización de 4 talleres con actividades diversas con niños seleccionados miembros del ensamble: “Taller de percusión”, “Taller de expresión corporal”, “Taller improvisación musical” y “Taller de música y tecnología”.

The Tilt es un grupo multidisciplinario de músicos y programadores radicado en Berlín, Alemania. Esta es su segunda participación en el Festival de San Luis. Ellos fueron responsables de la instalación sonora basada en árboles llamada “Sotavento”.

The Tilt Group

Carlos Sandoval, concepto, dirección, talleres y percusión

Oori Shalev, programación, talleres y percusión

Enlaces:

the tilt group

www.carlos-sandoval.de

El Ataque De Las Netlabels

2009-03-31T08:52:00.001-07:00

Una netlabel es una disquera que distribuye música a través del internet. Puedes descargar archivos de mp3 con el consentimiento de los artistas y en su mayoría, la música se ofrece sin ningún cargo. Los primeros netlabels se enfocaban casi exclusivamente en generos de electrónica e IDM. En estos géneros las netlabels pioneras en México han sido Filtro y No Copy Protection (Discos Konfort). En la actualidad y con los avaneces de la producción digital muchos otros géneros se han adherido al movimiento netlabel y ahora es posible encontrar muchos tipos de música que se distribuyen bajo este esquema. En México la música que no está en los circuitos comerciales siempre ha tenido dificultades para encontrar un público, pero con el medio del internet ya existen músicos que toman la iniciativa y graban y publican sus temas con licencias flexibles que permiten su libre distribución.

Por ejemplo, en la net label diablero se pueden encontrar lanzamientos diversos que van desde las islas de melodía en un océano de drones de los Homeless Ninja Robots, hasta el indie sin remordimientos de Atletia, pasando por las improvisaciones melancólicas de David Salas y los ambientes fuera de foco de Julio C. Mendoza.

Algunas personas opinan que el movimiento de la cultura libre abandera el fin de las industrias culturales tal como las conocemos, sin embargo lo más probable es que el sistema libre y el sistema tradicional convivan indefinidamente. A fin de cuentas, el mayor beneficiado de esta convivencia va a ser el público que por fín va a dejar de depender de los medios comerciales para explorar y encontrar nuevas músicas.

En Do

2009-03-26T08:29:00.000-07:00

Desde Tracktor Topaz Un método sencillo para componer música en el piano; toca sólo las teclas blancas y sigue estas reglas:

1. Armonía

First, chords. Staying in the key of C, you just play all the white keys. If you play four notes, skipping every other white key, you get some kind of a seventh chord. If your lowest note is on the C or F note then you’ll get a major chord, which sounds very rich. If your lowest note is on the D, E, or A note you’ll get a minor chord which sounds haunted. If your lowest note is on the G or B note, you get a real sour chord.

So, for starters, you just plunk around with these seven chords, and find a series of them that sounds good. This is pretty simple.

2. Estructura. Para este paso necesitas un drum machine, un metrónomo o seguir el rítmo con los pies:

Fire up the drum machine. Set its speed and the rhythm pattern.

Play these chords on top of the rhythm. Find the way that sounds good. Now just play it over and over again.

3. Melodía

While you’re playing imagine that some melody is already there, and just listen for it. It is already there. If you listen, you’ll hear it. Maybe bit by bit, or maybe all at once, but you will hear it.

Sing or hum this melody. Go around a few times. Now start working out how to play that melody with your right hand. I wasn’t a good enough player to do that at the same time as playing the left-hand chords, so I’d just record the left-hand chords and let the machine play them.

After you’ve worked out how to play the melody, you can write it down. This was very slow for me, but note by note, it can be done. Now with the chord symbols and the melody written down, you have a written piece of music.

Learn to play it with both hands.

(...)

Composition is easy.

Instrumento Casero

2009-03-25T09:49:00.000-07:00

Jim Coudal describe de la construcción casera de un instrumento de cuerdas.

Música En Libertad

2009-03-20T18:21:00.001-07:00

Chris Anderson analiza cuatro tipos de modelo de negocio que incluyen música gratis.

Direct Cross-Subsidy: The cost of joining The Spill Canvas Fan Club is $19.99, but if you join you get a 20$ Gift Certificate and exclusive content free.
Ad-Supported: Downloading Kid Rock’s new song American Warrior is free, but it is ad-supported by The National Guard.
Freemium: Radiohead’s In Rainbows was based on a freemium because those who paid subsidized those who got it for free
The Gift Economy: Prince gave his album Planet Earth away in The London Daily Mail in order to gain attention, boost reputation, and spur ticket sales.

Ambientes Metálicos en México

2009-03-09T08:06:00.000-07:00

"an Indian raga in the middle of an earthquake"

El reciente ascenso de popularidad de los campeones del drone metal: Sunn O))) (han sido reseñados por medios especializados: perfiles en Guitar World y NYT, próxima portada de The Wire, aparición en el Radar 8 de la Ciudad de México, etc.); ha levantado el perfil del género en el medio de la música alternativa mundial. Siguiendo las estrategias del ambient esta música se precia de tener una devoción casi obsesiva sobre los timbres que produce la instrumentación
tradicional del heavy metal y la forma en que su voca bulario, puede llenar el espacio acústico y temporal de una pieza. Así como la reverberación y trémolo de la guitarra surf evocan las olas y los océanos, en el drone metal las guitarras distorsionadas, el feedback, los blast beats y los gritos guturales evocan atmósferas enrarecidas y oscuras, una especie de gemelo malo del ambient de Brian Eno.

Esta esc ena, ante la impermeabilidad de los medios, ha hecho uso pleno de las nuevas formas de producción y distribución y proliferan los blogs de reseñas e int erc am bio de grabaciones y se aprecia la iniciativa de crear música más allá de las limitaciones. Varios artistas mexicanos han entrado directamente a explorar este género y la estética que se deriva de él, entre ellos el proyecto (((o))) ha sabido capturar son ora me nt e y visualmente la tormenta en cámara lenta que produce en el oido la distorsión del metal. En este proyecto podemos encontrar la estética de los antiguos textos de alquimia puesta al día con los modernos diagramas de la psicología experimental y la solemnidad de las marchas fúnebres combinada con la severidad del metal.

Como todas las nuevas músicas, este género aún tiene espacio sonoro para explorar y recorrer antes de crista liza rse, pero si logra asimilar las organizaciones horizontales entre audiencia y productores, que son una tradición del heavy metal y el punk, va a poder subsistir entre la marginalidad y la apatía de las corrientes principales.

La Tecnología De simulacro:

2009-03-09T07:57:00.000-07:00

escucha a simulacro:

simulacro: ¡mono! ep

2009-03-02T15:50:00.000-08:00

1. alpha niger 6:33
2. planetoide beta cuatro 3:15
3. mare magnum 4:48
4. cuatro cuervos 7:04

El tema de estas piezas es el sonido de guitarras amplificadas. Utilizan el sonido estratificado de las grabaciones de rock y el vocabulario sonoro e interválico del heavy metal. La consistencia rítmica y austeridad musical provienen del territorio formal del minimal techno. En su grabación se tomó como ejemplo la confrontación y el acabado urgente del harcore punk y la independencia del downtown neoyorkino.

El amplificador es el microscopio que enfoca, filtra y proyecta el sonido de las cuerdas. La realimentación es el equilibro entre la cuerda, la nota y el amplificador. La guitarra responde las preguntas.

Monotemático. Monodinámico. Monotonal.

simulacro: construcción y ensamble, guitarras materiales y espirituales, amplificadores y procesos.

Noviembre 2008 - Febrero 2009. San Luis Potosí.

http://www.archive.org/details/rlsm01ep

Este trabajo está bajo una licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 2.5 Mexico License.

Una Razón Para Comprar

2009-02-26T15:59:00.000-08:00

Michael Masnick analiza el modelo de negocios de Trent Reznor:

The core of the presentation is the following simple "formula" that is the basis for making money in the music business (and, I'd argue, many other businesses) in the digital era:

Connect With Fans (CwF) + Reason To Buy (RtB) = The Business Model ($$$$)

(...) a true reason to buy (RtB) is a voluntary transaction. Too often we've seen musicians or other content creators think that there is some sort of obligation to buy. And, so they put something out with a price tag, but without doing a very good job convincing fans why they should buy. There was no real reason -- and then they seem to lash out at their fans for hurting them. The fault, however, lies with the musician (like any business) who failed to give a proper reason to buy, and falsely assumed that fans had some sort of obligation to buy. If an artist believes there's an obligation to buy, fans will often educate the artist very quickly.

(...) One final point on this is the last question that people often raise: why should the musician be involved in any of this? Shouldn't they just be creating music. There are two answers to this. First, this is exactly where a smart record label, agent or manager can come in and be quite helpful. Let the musician create the music and let the "business guys" focus on applying this business model. Second, however, is that due to the way the industry is these days, the musician does need to be somewhat involved. You cannot connect with fans if you're in seclusion. If you don't want to make the effort to connect with fans, then that's fine: you won't have that many fans. It's a choice you make.

Leonard Cohen, Super Yogui

2009-02-25T15:26:00.000-08:00

El NYT publica un perfil de Leon ard C ohen.

L. Cohen opina sobre el dinero:

“It was a long, ongoing problem of a disastrous and relentless indifference to my financial situation, I didn’t even know where the bank was.”

sobre el estar en un escenario:

“That is my yoga.”

sobre las similitudes entre una gira y la vida en un monasterio:

“There’s a similarity in the quality of the daily life. There’s just a sense of purpose. A lot of extraneous material is naturally and necessarily discarded,” and what is left is a “rigorous and severe” routine in which “the capacity to focus becomes much easier.”

porqué se retiró de los escenarios:

“too much red wine”

sobre los derechos de sus canciones:

“My sense of ownership with these things is very weak. It’s not the result of spiritual discipline; it’s always been that way. My sense of proprietorship has been so weak that actually I didn’t pay attention and I lost the copyrights on a lot of the songs.”

sobre el significado de sus canciones:

“(some of them are) muffled prayers. It’s difficult to do the commentary on the prayer. I’m not a Talmudist, I’m more the little Jew who wrote the Bible. I feel it doesn’t serve the enterprise to really examine it from outside the moment.”

acerca del Zen:

“(has helped me to learn to) stop whining”

acerca de las decisiones:

“All these things have their own destiny; one has one’s own destiny. The older I get, the surer I am that I’m not running the show.”

Jennifer Warnes, the singer whose 1986 recording of “Famous Blue Raincoat” helped revive interest in Mr. Cohen at a time when he was out of critical favor, said: “He has investigated a lot of deities and read all the sacred books, trying to understand in some way who wrote them as much as the subject matter itself. It’s for his own healing that he reaches for those places. If he has one great love, it is his search for God.”

Oye nena...

2009-02-10T06:47:00.000-08:00

le tienes que parar...

Jorge Reyes. RIP.

¡Quítale la Máscara!

2009-02-04T15:07:00.000-08:00

El enmascaramiento auditivo es el fenómeno en donde la percepción de un sonido es afectada por la presencia de otro sonido. Este fenómeno se encuentra con frecuencia en la etapa de mezcla en la producción de grabaciones musicales, para evitarlo se utilizan distintos tipos de ecualizadores y filtros. Una de las estrategias es "enmarcar" la señal de cada instrumento con un filtro pasa altos y un filtro pasa bajos, de esa forma cada instrumento sólo añade a la mezcla las frecuencias que le corresponden. Una estrategia más sofisticada es utilizar un ecualizador paramétrico para eliminar con mayor precisión las frecuencias que se enmascaran entre varias señales. Con este tipo de control es posible crear interacciones más complejas entre instrumentos con mucha información en las frecuencias bajas. Estas estrategias de mezcla se reflejaron en el diseño de ecualizadores de los 1970's. Actualmente las características de esos equipos pueden encontrarse en distintos plugins, entre la gama alta están:
Classic SSL Console Channel Strip

Eiosound AirEQ

La serie Neve de Universal Audio

T-Racks Classic Equalizer

Si se conocen los principios de esas herramientas se puede replicar su funcionamiento con alternativas gratuitas o incluso las incluidas en los secuenciadores.

Los Acordes de las Chicas Sensibles

2009-02-03T07:42:00.000-08:00

Un artículo acerca de la misteriosa progresión de acordes de la canción favorita de Mini-Me:

Striking a chord
Here's an easy way to see if a song uses the Sensitive Female Chord Progression: Just sing Joan Osborne's lyric's: 'What if God was one of us? Just a slob like one of us?' over the suspect four chords.

(...)

So what is the Sensitive Female Chord Progression, exactly? It's simple enough for the music theory-inclined: vi-IV-I-V. No good? Well, for a song in the key of A minor, it would be Am-F-C-G. Still confused? Here's an easy way to see if a song uses the chord progression: Just sing Osborne's lyrics, "What if God was one of us? Just a slob like one of us?" over the suspect four chords. If it fits, you've just spotted one in the wild. Once you're attuned to it, you'll hear it everywhere.

(...)

It turns out I'm not the only one intrigued by this phenomenon. Hooters guitarist Eric Bazilian, the songwriter behind "One Of Us," has a particular interest in it. "I think it's a comforting chord progression," he says. "It was iconic with Heart. It became more iconic with Joan [Osborne]. It became even more iconic with Sarah McLachlan. There's not a lot of testosterone in it, even though ['One of Us'] was written by a man. But it was written by a man to impress a girl. Think about that."

The guys play with this chord progression too, of course. Boston's "Peace of Mind" and Iggy Pop's "The Passenger" gave it a whirl in the mid-1970s. The Smashing Pumpkins made it orchestral and ominous with "Disarm," Bon Jovi turned it into a pop-metal fist-pumper on "It's My Life," and the Offspring has used it no less than three times.

(...)

Songwriters reuse certain chord progressions all the time, from the 12-bar blues to the doo-woppish I-vi-IV-V (forever familiar to novice piano players as "Heart and Soul") that helped dominate the 1950s with songs like "Earth Angel" and "Donna."

Disqueras en e-cultura

2009-01-28T10:13:00.000-08:00

Lista de disqueras independientes en México, de la página e-cultura del CONACULTA.

El Poderoso Verbasizer

2009-01-27T16:51:00.000-08:00

David Bowie es conocido usar de la técnica literaria de cut up para generar letras de canciones. El verbasizer php es una herramienta online que simula en parte el programa original de David Bowie. Produce resultados como este:

little gets

the red blame provokes
another plans powerfully at the white-hot sun

into the blackened ability
rudely
fondly the wide-eyed view teaches

anyone raises like the nightmare
these careen outside the stress

En este video podemos ver al Camaleón en persona manipulando el verbasizer original: